Содержание
Сравнение двух натюрмортов в доу. Методика знакомства детей старшего дошкольного возраста с натюрмортом (стр. 1 из 9)
ГлавнаяРазноеСравнение двух натюрмортов в доу
Конспект интегрированного занятия «Натюрморт» — Детский сад Аленушка
Цель:
Вызвать у детей активный интерес к произведениям живописи и эмоциональный отклик на художественные произведения; учить анализировать и давать оценки полотнам художников; мотивировать желание самостоятельно заниматься изобразительной деятельностью.
Задачи:
- продолжать знакомить с жанром живописи – натюрморт;
- продолжать учить детей рисовать с натуры различные фрукты;
- совершенствовать навыки работы акварелью;
- учить подбирать нужные цвета для изображения овощей и фруктов, создавать нужные оттенки путем смешивания красок;
- развивать чувство композиции;
- развивать чувство эстетического восприятия;
- воспитывать интерес к изобразительной деятельности;
- развивать самостоятельность и художественно-творческие способности в продуктивной деятельности.
Материал:
Репродукции картин И. Репина «Яблоки», А. Летунова «Овощи»,
П. Кончаловского «Розовые яблоки на круглом столе», И. Петрова-Водкина «Яблоки и лимон», И. Ф. Хруцкого «Цветы и фрукты».
Бумага для акварели, акварельные краски, кисти, банки с водой, подставки для кистей.
Посылочная коробка, муляжи фруктов, вазы разной формы.
Запись мелодии «Сентиментальный вальс».
Предварительная работа.
Рассматривание репродукций натюрмортов, объяснение значения слова «натюрморт», знакомство с дидактической игрой «Натюрморт» и законами составления композиции для натюрморта.
Организационный момент.
Педагог:Ребята, нам прислали посылку! Но самое интересное, что группа указана наша, а вот «кому» здесь указано: художникам. Вы помните, кто такие художники? (Ответы детей). Как вы думаете, что в ней может быть? (Предположения детей). Давайте, не будем больше гадать, а скорее ее раскроем.
(Открывают коробку и рассматривают муляжи фруктов и вазы)
Основная часть.
Педагог:
Что же нам со всем этим делать, и причем здесь художники? (Предположения детей). Конечно, эти все предметы можно нарисовать! Давайте внимательно рассмотрим каждый предмет.
Игра «Какой, какая».
Воспитатель: яблоко какое? (круглое, сочное, желтое), апельсин какой? (круглый, оранжевый, вкусный), слива какая? (темная, продолговатая, спелая), груша – какая? (вытянутая, двухцветная, ароматная), ваза какая? (керамическая, длинная, плоская, светлая).
Педагог:
Друзья, но если мы с вами будем все эти предметы на отдельных листах рисовать, у нас времени не хватит до вечера работу закончить. Как же быть? (Предположения детей). Конечно, можно нарисовать сразу все! Как называется вид живописи, в котором изображено несколько неживых предметов? (Ответы детей).Правильно, натюрморт.
Если видишь на картинеЧашку кофе на столе,Или морс в большом графине,Или розу в хрустале,Или бронзовую вазу,Или грушу, или торт,Или все предметы сразу,Знай что это натюрморт.
Сейчас мы все эти предметы сложим вместе и нарисуем!
(Воспитатель расставляет вазы и фрукты и предлагает детям оценить, правильность композиции. Предлагает детям переложить предметы)
Педагог:
Друзья, давайте обратимся за помощью к великим художникам. Мы отправимся в художественную галерею, рассмотрим некоторые натюрморты и поймем, как надо разложить предметы, чтобы натюрморт был красивым.
Презентация «Натюрморты».
Педагог:
Перед нами картина Ивана Фомича Хруцкого «Цветы и фрукты». Что же мы здесь видим? (вазу с цветами…) Да, первое, на что обращаешь внимание – это огромный, пышный букет. Где изображен букет? (в центре картины). Что и где еще находится на этой картине? (справа в корзине — виноград и рядом на столе кисть винограда и лимон). В центре перед букетом стоит стакан с водой, разрезанный персик. Обратите внимание, как много разных плодов нарисовал художник! Какие цвета он использовал для рисования цветов? (георгины – белый и розовый; гвоздики – красный; розы – светло-розовый).
А какие цвета художник не использовал для рисования фруктов? (желтый, светло-зеленый, оранжевый). Вся картина написана в холодных зеленовато-желтых тонах. Как можно назвать картину? Художник использовал много красок! Поэтому картина и звучит так нарядно и красиво, и празднично!
Динамическая пауза. Игра «Маляр»
(Дети берут цветные карточки и встают в круг, в центре ребенок – Маляр)
Мы позвали маляра:
Не покрашена стена,
Дверь, окно и потолок
Он докрасить нам помог.
Маляр:
Чтоб закончить все дела,
Краска мне, друзья, нужна …
(называет не основной цвет; розовый, оранжевый, фиолетовый и проч.)
Дети собираются группами так, чтобы набор их цветов давал нужный маляру цвет.
Педагог:
Ребята, мы с вами снова возвращаемся в картинную галерею. И сейчас рассмотрим натюрморты других знакомых художников.
Дети рассматривают натюрморты подгруппами и проводят их анализ. Педагог задает вопросы:
Что больше привлекло в картине?
Какие цвета использовал художник?
Что нравится и что не нравится в картине?
Психогимнастика Чистяковой «Цветок».
Под музыку дети выполняют движения по указанию воспитателя. «На лесной полянке проснулось семечко цветка, и появился из него росток, прошел сквозь землю и увидел вокруг… Солнце яркое. Оно обогрело росток. Тучку серую, она полила дождиком росток. Росток тянулся к небу, распускал листочки, и вот появился у него нежный бутон. В один прекрасный момент бутон раскрылся и превратился в цветок. Увидел цветок яркое солнце, сочную траву и море цветных лепестков своих соседей – других цветов. Цветочек обрадовался и кивком головы поприветствовал соседей. Теперь он вместе с другими цвел и радовал жужжащих и звенящих насекомых»
Педагог:
Друзья, нас многому научили у великие художники. Теперь мы сами сможем составить композицию для нашего натюрморта.
Дети работают по 4 человека, договариваются между собой, какие предметы и вазы будут присутствовать в их композиции. После составления натюрмортов дети рассказывают о своей позиции. (Какие использовали предметы, где они находятся – слева, справа; дают название своему натюрморту).
Педагог:
Какие удивительные натюрморты вы составили! Теперь можно эту красоту запечатлеть в своих рисунках. Давайте пройдем в нашу художественную мастерскую. Все ссели правильно: спина прямая, грудью об стол никто не опирается, ноги под столом вместе, правая рука держит карандаш, левая — придерживаем лист бумаги. Можно приступать к работе. (Показ изображения воспитателя сопровождается рассказом и работой детей) Не забывайте, что ориентиром натюрморта является разделяющая линия. Она поможет вам правильно распределить предметы на листе.
Звучи спокойная музыка, дети рисуют педагог помогает наводящими вопросами или советами, отвечает на возникающие у детей вопросы.
Педагог:
Если кто-то закончил работу, ее можно выставлять в галерею. (Дети выставляют рисунки на большой мольберт) От ваших рисунков стало вокруг так светло, весело, празднично. Посмотрите, какие сочные фрукты лежат в вазах, словно настоящие. Выберите натюрморт, который вам нравиться больше других.
Чем он вас поразил? (Спросить 2-4 детей.) Сегодня вы все постарались, работы великолепны! А, если у кого-то не все получилось, не огорчайтесь, мы после занятия исправит ошибки, и, непременно, получится хорошая работа.
Ребята, что вы сегодня составляли из предметов? (Композицию). Как называется вид живописи, которым вы занимались сегодня? (Натюрморт) Что вам больше всего понравилось на занятии? Я предлагаю вам взять свои натюрморты домой, вставить их в рамочку и повесить на кухне, чтобы можно было ими любоваться вам и вашим близким.
Литература.
- Григорьева, Г.Г. Развитие дошкольника в изобразительной деятельности:/Учебное пособие для студентов высших учебных заведений. Г.Г. Григорьева. — М. : Академия, 2000.-300 с
- Комарова, Т.С. Изобразительная деятельность в детском саду: обучение и творчество/ Комарова Т.С. — М. : Педагогика, 1990.- 326 с.
- Прохорова, Л. Развиваем творческую активность дошкольников/Л.Прохорова// — Дошкольное воспитание. – 1996.- №5. — стр. 21-27.
- Силивон, В.А. Природа детского рисунка (психолого-педагогический аспект)/В.А. Силивон. Монография. — Мн.: БГПУ им. М. Танка, 2000. – 183 с.
- Трофимова, М.В.Изобразительное искусство/М.В. Трофимова, Т.И. Тарабанова. — Ярославль: «Академия развития», 1997. — 240 с.
- Флёрина, Е.А. Изобразительное творчество детей дошкольного возраста/Е.А. Флёрина. — М. : 1956. — 297 с.
- Художественное творчество в детском саду / Под ред. Н.А. Ветлугиной. — М.: 1974. – 452 с.
– 1996.- №5. — стр. 21-27.
alenushka57.ru
Методика знакомства детей старшего дошкольного возраста с натюрмортом
ОГЛАВЛЕНИЕ
ВВЕДЕНИЕ
Глава I. ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ ОСНОВЫ ФОРМИРОВАНИЯ ТВОРЧЕСКОЙ ЛИЧНОСТИ ДОШКОЛЬНИКА
1. Влияние различных видов искусств на развитие творчества детей дошкольного возраста
2. Технология ознакомления детей с различными видами искусств
Глава II. ОСОБЕННОСТИ ФОРМИРОВАНИЯ У ДЕТЕЙ ЗНАНИЙ О ВИДАХ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА
1.
Особенности проведения с детьми занятий по ознакомлению с натюрмортом
2. Формы работы детей старшего дошкольного возраста в процессе знакомства с натюрмортом
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
ЛИТЕРАТУРА
ПРИЛОЖЕНИЕ 1
ПРИЛОЖЕНИЕ 2
ПРИЛОЖЕНИЕ 3
ВВЕДЕНИЕ
Изобразительное искусство и очень древнее и очень молодое. Художники создавали изображения и тысячи лет назад, создают их и сегодня. Это искусство огромно. Чтобы узнать его лучше, не заблудиться в нем, нужно шаг за шагом изучать его. Первое, что делают люди, желающие узнать новый, интересующий их край, — изучают язык живущих в нем людей. Так и с изобразительным искусством.
Вводить детей в «большое искусство» следует как можно раньше. Необходимо создать предпосылку для «самостоятельного вхождения» и особенно важно определять фазы этого пути: от простого к сложного, от конкретного к общему. Дети должны постепенно научиться говорить на языке художника. Не нужно бояться оперировать понятиями и терминами изобразительного искусства а занятиях даже с самыми маленькими, так как, постепенно воспринимая их на слух, дети будут привыкать к ним.
Главное как можно проще расшифровать смысл. Это даст возможность прочно заложить их в память детей.
Характерная особенность искусства – отражение действительности в художественных образах, которые действуют на сознание и чувства человека, воспитывают в нем определенное отношение к событиям и явлениям жизни, помогают глубже и полнее познавать действительность.
Одним из видов изобразительного искусства является живопись. Произведения отражают действительность, оказывают воздействия на мысли и чувства зрителя. Техника живописи на протяжении веков постоянно совершенствовалась. Одним из жанров живописи является натюрморт. Натюрморт – жанр изобразительного искусства или произведение этого жанра. Сама постановка, которая является объектом изображения, тоже называется натюрморт. Он может состоять не только из неодушевленных предметов, но включать и природные формы. Поэтому более точно название, принятое в англоязычных странах, stilllife или немецкое Stilleben – «тихая жизнь».
Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии в начале XVII века. Знаменитые голландские натюрморты передают радость бытия; рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, рыбы, напитков. Они словно поют гимн материальному миру. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, с небольшим количеством предметов, а другие писали на огромных холстах много дичи, рыбы, цветов (в Голландии П. Класс, В. Хеда, во Фландрии – Ф. Снейдерс и др.). основной мотив натюрморта мог быть дополнен изображением людей, зверей, птиц, насекомых.
Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни определенной исторической эпохи.
В детском саду ребенок знакомится с таким жанром живописи как натюрморт. Дальнейшее приобщение к искусству происходит уже в школе, где для этого отводятся специальные уроки.
Целью данной работы является изучение методики знакомства детей с натюрмортом.
Задачами работы являются:
— изучить состояние проблемы в теории и практике;
— установить, что знакомство детей с жанрами живописи влияет на всестороннее развитие дошкольника;
— показать, что успешное развитие мелкой моторики рук способствует успешному обучению письму.
Гипотеза: если последовательно знакомить детей с жанрами живописи (натюрморт), это может в дальнейшем приобщить детей к искусству.
Объектом исследования являются особенности знакомства детей с изобразительным искусством.
Предметом исследования является методика знакомства детей старшего дошкольного возраста с натюрмортом.
Методы исследования:
1) на эмпирическом уровне изучение литературы, изучение опыта работы воспитателей, опытно-педагогическая работа, педагогический эксперимент.
2) на теоретическом уровне изучение и анализ теоретической литературы по проблеме исследования; анализ и обобщение материала, полученного в наблюдениях, беседах, эксперименте.
Глава I. ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ ОСНОВЫ ФОРМИРОВАНИЯ
ТВОРЧЕСКОЙ ЛИЧНОСТИ ДОШКОЛЬНИКА
1. Влияние различных видов искусств на развитие творчества детей
дошкольного возраста.
Изобразительное искусство – это отражение окружающей действительности художником в художественных образах и выражение своего отношения к жизни средствами формы, цвета, композиции.
Подлинный эстетический вкус у дошкольников мы можем воспитывать путем отбора объектов, наиболее близких для детского восприятия. Чем художественнее, реалистичнее изображена наша действительность, тем более она доступна для восприятия и доставляет подлинное эстетическое переживание. Изобразительное искусство обогащает детей впечатлениями, способствует развитию органов чувств, мышлению, воображения, делает наблюдение более целенаправленными и глубокими.
Искусство развивает у детей умение видеть, понимать красоту природы, оценивать явления действительности, стремиться не только познать, но и изменить ее, делать жизнь более интересной, содержательной, красивой[1, C. 23].
Проблема – ребенок и изобразительное искусство – таит в себе много загадок и вопросов. В последнее время все больше внимания уделяется знакомству дошкольников с изобразительным искусством, однако, в большинстве случаев сохраняется информативный подход в обучении, сухие сведения о жизни и действительности художников, скульпторов и т.
д., иногда заменяются на информацию образно-эмоционального содержания произведения искусства общего характера, и мало времени посвящается главному -0 постижению психологических механизмов возникновения художественного образа и постижению языка различных видов искусства как пространства, в котором мир реальный отражается во всем сложном, чувственном и смысловом многообразии.
Сила воздействия изобразительного искусства на ребенка, на его подсознание может быть очень велика в том случае, когда мировой опыт, заложенный в искусстве, соприкасается с опытом ребенка. Педагог, работающий с ребенком, должен досконально знать художественное произведение, его смысл, философию, текст и контекст, в котором оно создавалось, а не просто называть обобщенно-эмоциональную характеристику, должен иметь представление о том, насколько ребенок может воспринять художественное произведение в соответствии с его сегодняшним жизненным опытом.
В детском саду дети знакомятся с различными доступными их возрасту видами изобразительного искусства.
Используя лучшие образы народного искусства и мастеров, педагог воспитывает интерес и способность эстетически воспринимать картины, скульптуры, предметы народного художественного творчества, иллюстрации в книгах, формирует основы эстетического вкуса детей, умение самостоятельно оценивать произведения искусства.
Искусство пробуждает у детей дошкольного возраста эмоционально-творческое начало. С помощью живописи дошкольников учат понимать гармонию природы. Кроме того, ознакомление детей с жанровой живописью позволяет закладывать первоначальную основу формирования у них ценных ориентаций в школьном возрасте, как, например, умение высказывать личностное отношение к понравившейся картине, к изображенным на ней людям, предметам, природе, давать сравнительную оценку явлению, отраженному на полотне или наблюдаемому детьми в реальной жизни.
Учить старших дошкольников видеть в жанровой живописи отражение человеческих поступков, взаимоотношений, сравнивать изображение – значит развивать их эстетические чувства, которые проявляются у детей вначале в эмоциональных и речевых реакциях, а затем, при дальнейшем ознакомлении их с искусством, в собственной художественной деятельности.
Эстетическое воспитание – это сложный и длительный процесс, дети получают первое художественное впечатление, приобщаются к искусству, овладевают разными видами художественной деятельности, среди которых большое место занимает рисование. Изобразительное искусство интересно, увлекательно для дошкольника, так как он имеет возможность об окружающей действительности с помощью карандаша, красок и бумаги. Этот процесс вызывает у него чувство радости, удивления[1, C. 45].
Изобразительное искусство – это специфическое образное познание действительности, которое может идти разными путями. На занятиях рисованием дошкольники учатся бережно относиться к художественным материалам, у них формируются навыки трудовой деятельности, планирование будущего рисунка, самоконтроль за своими действиями в процессе работы. Стремление детей достичь качественных результатов говорит об их настойчивости, способности к преодолению трудностей. При выполнении коллективных работ дети обучаются способам сотрудничества, договариваются об этапах работы над общей композицией рисунка.
Занятия направлены на развитие у дошкольников творчества. Понятие «творчество» определяется как деятельность, в результате которой ребенок создает новое, оригинальное, проявляя воображение, реализуя свой замысел, самостоятельно находя средства для воплощения.
При наблюдении предметов и явлений окружающей жизни у детей дошкольного возраста легко возникает волнение, в котором в неосознанном, зачаточном виде проявляется эстетическое чувство. Малышей волнует яркий цвет, блестящая поверхность, старших привлекает повторность элементов, симметрия в расположении частей, выразительность силуэта. Эстетические чувства у детей с возрастом становятся более глубокими и осознанными. По мере развития и обогащения представлений дети воспринимают более сложные свойства явлений: разнообразие форм, богатство цветов.
mirznanii.com
Знакомство детей с натюрмортом
Чугунова Л.Е
Переверзева В.А.
Зимина М.П.
Губанова И.Э.
Чугунова Л.Е
МБДОУ №26 «Солнышко»
Белгородская область, г.
Старый Оскол.
Натюрморт – один из самых популярных жанров изобразительного искусства. С момента своего появления на протяжении последних пяти веков истории искусства он был основной гордостью применения таланта для тысяч художников. Это идеальный жанр для тех, кто только учится рисовать, поэтому многие начинающие художники оттачивают мастерство именно в натюрморте.
Ознакомление детей с жанром натюрморта помогает развивать их воображение, эстетические чувства, художественные способности. В начале мы предлагаем ребенку рассмотреть картинку, обращаем его внимание на расположение предметов, их цвет, форму, красоту сочетаний. Спрашиваем ребенка: « А как ты думаешь, о чем художнику хотелось рассказать в своей картинке?». Он сам может придумать название картины, это помогает развивать фантазию.
Важно формировать у детей эстетическое восприятие произведений изобразительного искусства; учим их не только узнавать в натюрморте знакомые предметы, но и видеть их красоту, многообразие форм, цветов, фактуры, вызывать желание самостоятельно создавать натюрморты, выражать свое эмоциональное отношение к изображаемому.
Беседуя с детьми, показываем, что художник не просто изображает цветы, фрукты, овощи, а рассказывает с помощью красок о том, что он подметил в окружающей природе. Иначе говоря, в своей картине-натюрморте художник передает сои мысли, чувства, настроение и хочет поделиться этим с другими.
Дети рисуют натюрморты карандашами, фломастерами, красками, пастелью, восковыми мелками и т.д. Для изображения вазы или кувшина иногда используют силуэты, вырезанные из цветной бумаги, газеты, журнала. В этой вазе ребенок рисует красками букет цветов, рядом располагает фрукты и овощи. Такие натюрморты особенно интересны ребенку тем, что в них сочетается техника коллажа и живописи. Перед тем, как рисовать натюрморт, на прогулке мы предлагаем ребенку оглядеться вокруг и выбрать те предметы или растения, из которых можно его составить; спрашиваем у него почему он выбрал именно эти предметы (они нравятся по цвету, форме, очертанию, величине).
Предлагаем ребенку такое же задание дома после прогулки.
В комнате он внимательно рассматривает предметы и выбирает некоторые из них для рисования. Чтобы заинтересовать ребенка, стихотворение А. Кушнера:
Если видишь на картине Чашку кофе на столе, Или морс в большом графине, Или розу в хрустале, Или бронзовую вазу, Или грушу, или торт, Или все предметы сразу, Знай, что это натюрморт.
Ставим в кувшин или в вазу цветы и предлагаем ребенку их рассмотреть, полюбоваться красотой лепестков и листьев. Хорошо, если есть репродукция натюрморта П. Кончаловского «Сирень». Рассматривая её обращаем внимание на тяжелые гроздья, которые хранят запах весеннего дождя. Поговорим о сочетании цветов на каждой ветки сирени. Ребенок должен увидить переходы сиреневого, фиолетового, розового, синего оттенков, которые создают неповторимый колорит душистой сирени. В процессе рассматривания картины дети находят наиболее характерные предметы: «сирень душистая», «картина пахнет, хочется потрогать ее рукой», «сирень чудесная, нежная», «хорошо быть художником, рисовать картины и всем их дарить».
Ознакомление детей с натюрмортом помогает развитию эстетических чувств, обратной речи, о чем говорит появлении ярких ассоциаций, метафор, сравнений. В зависимости от времени года содержание натюрморта меняется, и дети находят новые сюжеты для своих картин.
Осень: «Дары осени» — рисование или аппликация овощей, фруктов, грибов с натуры. «ветки с осенними листьями», «Ветка рябины в вазе», «Корзина с грибами», «Букеты цветов в вазе». Натюрморты рисуем красками, составляем аппликации, соединяем разные приемы изображения (вырезание из бумаги, ткани, рисование кистью, поролоном, пальцем, ватой и т.д.)
Зима: «Елочные украшения», «Ветка елки с игрушками», «Ветка сосны с шишками». Зимние натюрморты вызывают радость у детей потому, что они связаны с новогодними праздниками, подарками Деда Мороза и Снегурочки.
Весна: «Нежные подснежники», «Ветка мимозы», «Комнатные растения», «Рыбки в аквариуме», «Первые весенние цветы – тюльпаны, нарциссы, одуванчики».
Лето» «Летние цветы – ромашки, колокольчики», «Лесные ягоды – земляника, малина, черника», «Грибы – подосиновик, боровик, лисичка, опенок, подберезовик».
Каждое время года дает содержание для рисования натюрмортов. Наблюдение в природе обогащает впечатления и знаний детей, помогают передать эту красоту в рисунках, аппликациях, лепке, конструировании. Вместе с детьми посещаем музеи или выставки, чтобы они увидели натюрморты художников в оригинальном исполнении. Можно так же рассматривать репродукции картин-натюрмортов Ф.Толстого, И.Хруцкого, П. Кончаловского, М. Сарьяна, И. Машкова. В картинах этих художников передана красота предметов быта и плодов земли, настроение человека и его восторженное отношение к окружающему предметному миру.
Эмоционально насыщенные натюрморты вызывают у ребенка эстетические чувства, желание создавать красивые, красочные композиции.
journalpro.ru
Впечатляющие натюрморты известных русских художников с названиями — «Лермонтов»
- Натюрморты великих русских художников — на пути перемен
- Нетипичные натюрморты самых известных русских художников
В России натюрморт долгое время не считали достойным внимания и использовали лишь при обучении для оттачивания художественных навыков.
Все изменилось в начале XX века, когда меценаты стали ввозить в страну картины из Франции. Натюрморты импрессионистов вызвали живой интерес у русских художников, что привело буквально к повальному выбору этого жанра многими знаменитыми живописцами от реалистов до абстракционистов.
Натюрморты великих русских художников — на пути перемен
Наверное, было бы странно, если бы все русские живописцы взялись рисовать классические натюрморты, красиво выкладывая на столе предметы, скрупулезно обеспечивая фон и правильное освещение. Поскольку каждый мастер работал в своем направлении и манере, это привело к рождению на свет и самых необычных картин-натюрмортов. Посмотрим, как это проявилось у художников разных стилей.
Натюрморты русских импрессионистов, реалистов и модернистов
Значительный шаг вперед в русском натюрморте сделал импрессионист И. Грабарь. Хотя этот вид работ все еще оставался средством для оттачивания художественных навыков, в процессе создания натюрморта мастер ставил разнообразные живописные задачи, проводил эксперименты и всякий раз достигал чего-то нового в композиционном плане, плане форм или цветовых решений.
Так появились на свет многие прекрасные картины, такие как «Сирень и незабудки», которые вдохновили многих других художников продолжить эти эксперименты.
И. Грабарь. «Сирень и незабудки». 1905 г.
Яркое наложение импрессионизма на неодушевленные предметы прослеживается и в работах А. Арапова. Размывая фон и избавляя зрителей от необходимости всматриваться в детали, художник сосредотачивается на эмоциях. Мы не увидим на его полотнах тончайшей прорисовки цветков или предметов, но без труда наполнимся эмоцией радости и ощутим дыхание жизни в его ярких работах.
А. Арапов «Натюрморт с цветами и свечой».
Импрессионист К. Коровин и представитель модерна В. Серов буквально вдохнули в натюрморт жизнь, вписав его в пейзаж или какой-либо сюжет. Так, у Коровина рождается натюрморт с портретом В.В. Перцовой, в котором он уделил одинаковое внимание натурщице, прекрасным букетам и волшебному солнечному дню. А у Серова это соседство особенно ярко проявилось в знаменитой картине «Девочка с персиками», где можно одинаково полно любоваться очаровательной девочкой и бархатистыми персиками, подчеркивающими нежность юного создания.
К. Коровин. Натюрморт с портретом В.В. Перцовой. 1916 г.
В. Серов. «Девочка с персиками». 1887 г.
У импрессиониста К. Петрова-Водкина большинство натюрмортов имеют такую особенность: в качестве предметов к традиционным цветам или фруктам он использовал какие-то вещи трудящегося человека. Так, на его известном полотне «Черемуха в стакане» изящная веточка черемухи окружена вполне житейскими мелочами — коробком спичек, письмами, журналом, посудой и другими вещами. Многие такие предметы повторялись в разных натюрмортах автора и использовались неспроста, так как художнику нравилось противопоставлять цвета, поверхности разной фактуры и изображать все объекты в сферической перспективе.
К. Петров-Водкин. Натюрморт «Черёмуха в стакане». 1932 г.
Художник-реалист Н. Богданов-Бельский использовал богатые композиции, в каждой из которых любой детали и цветовому решению уделяется максимум внимания, что делает натюрморт очень живописным.
Н. Богданов-Бельский. Пасхальный натюрморт. Начало XX века
У представителя модерна Н. Сапунова цветочные композиции буквально стали частью его жизни. Он создавал многочисленные композиции из ваз и букетов или одних цветов, которые могли словно узоры заполнять все полотно его картин. Отсюда и разнообразие работ, которые помогают зрителю глубоко почувствовать красоту и грандиозность момента, пережитого художником. Его натюрморты по большей части лишены прорисовки деталей, что помогает зрителю больше погрузиться в чувства, нежели в обдумывание сюжета.
Н.Н. Сапунов. «Вазы и цветы». 1910 г.
Художник-реалист Б. Кустодиев при написании натюрмортов продолжал следовать своему живописному видению. Он любил рисовать отдельные букеты, создавал определенные композиции предметов или органично вписывал неодушевленные объекты в естественную среду. Многие его работы этого жанра очень реалистичны и детализированы.
Б. Кустодиев. Натюрморт «Финский букет».
1917 г.
Натюрморты русских абстракционистов
Не обошли вниманием натюрморт и представители абстракционизма, показав миру совсем другое видение реальности. Так, для И. Машкова натюрморт стал одним из его любимых видов работ. Будучи эксцентричным художником, он также непредсказуемо проявлял себя и в натюрмортах, работая в разных стилях от примитивизма до соцреализма. В результате на свет появились многочисленные колоритные «Хлебы», весьма реалистичная картина «Рыбы, овощи, фрукты», картина с мощными линиями «Фрукты на блюде (Синие сливы)» и многие другие. Натюрморты Машкова приковывают к себе внимание и вызывают разнообразные эмоции.
И. Машков. «Снедь московская. Хлебы». 1924 г.
Не менее многогранно к работе с натюрмортами подошел и абстракционист В. Баранов-Россине. Так, мы видим, как в обычный сюжет «Натюрморт с цветами и фруктами» вторгаются плоскости и грани, искажающие пространство. А в работе «Натюрморт со стулом» уже прослеживается характерное для кубизма дробление картины на детали.
В. Баранов-Россине. Натюрморт с цветами и фруктами. 1915 г.
В. Баранов-Россине. Натюрморт со стулом. 1911 г.
Уход от привычных форм и цвета проявился и в работе Никола де Сталя. Он использует в своих натюрмортах как характерную условность форм и цвета, так и разбиение на плоскости. Это позволяет взглянуть на представленную композицию совершенно с другой стороны. Например, в работе «Цветы» образ поверхности и букета в вазе легко узнаваем, но отказ от реалистичности заставляет воспринимать эту картину иначе. Заметим, что у художника было много натюрмортов с цветами подобного характера, в которых он экспериментировал с фоном, тонами и формами.
Никола де Сталь. «Цветы». 1952 г.
Дробление пространства и необычную для натюрморта цветовую гамму использует и В. Рохлина, которая много творила в стиле кубизма. В частности, в картине «Натюрморт с яблоками» зритель невольно вынужден отвлечься от привычных образов и погрузиться в новую атмосферу темных тонов и смещенных граней.
В. Рохлина. Натюрморт с яблоками
Натюрморты русских экспрессионистов
Экспрессионисты, как и импрессионисты, были сосредоточены на передаче чувств, причем им важен был максимальный накал этих чувств. Одним из художников, который создал в этом стиле множество натюрмортов, стал А. Явленский. Изучая его живопись, мы увидим яркие тона, часто несочетаемые друг с другом, угловатые формы, толстую черную обводку и искаженные очертания. Такие работы побуждают зрителя отойти от рассматривания, сравнения и оценивания и переключиться на переживание эмоций.
А. Явленский. «Цветы, фрукты и кувшин». 1909 г.
Наиболее сильно эмоции проявились в работах Х. Сутина. Реалистичные ужасающие туши животных или мрачные цветы в темных тонах многих заставят содрогнуться. Его работы неспроста вызывают такой эффект, так как они выстраданы всей его тяжелой жизнью. Сутин голодал настолько, что порой по ночам стучал соседям и клянчил хотя бы кусок хлеба, но когда ему что-то давали, терзаемый жутким голодом вначале рисовал натюрморт и только потом позволял себе съесть скудную еду.
Но страдания в конце концов оправдали себя, так как и сегодня его натюрморты никого не оставляют равнодушным и уходят с аукционов за огромные деньги.
Х. Сутин. «Бычья туша». 1925 г.
Мы рассмотрели далеко не всех русских мастеров, которые пробовали себя в новом для них жанре натюрморта. Интересные композиции неодушевленных предметов встречаются также у М. Ларионова, П. Кузнецова, Л. Поповой, Р. Фалька, В. Шухаева и некоторых других живописцев.
Нетипичные натюрморты самых известных русских художников
Если многие русские художники занимались натюрмортами регулярно и преследовали свои изобразительные цели, то некоторые именитые мастера могут удивить переходом к неодушевленному объекту. Рассмотрим несколько всем известных имен.
Начнем с совершенно неожиданной работы И. Шишкина, написанной им в 1855 году. Сложно представить, что «поэт русского леса» вдруг взялся за изображение посуды. Однако ничего странного в этом нет, так как это как раз одна из ученических работ, выполненных художником во времена обучения в Московском училище живописи и ваяния.
Работа хранится в Смоленском государственном музее-заповеднике, куда она поступила в дар вместе с коллекцией Н. Соркина. Кстати, великого художника все же куда больше волновала живая природа, так как в этом же 1855 году его ученический этюд «Сосна на скале» купил Государственный Русский музей.
И. Шишкин. Ученический натюрморт. 1855 г.
Не менее интересна работа И. Репина «Яблоки и листья». Но это вовсе не ученическая работа, так как к 1879 году маэстро уже был в звании академика и создал немало шедевров. Однако натура его была многогранной, он легко брался и за исторические, и за жанровые картины, и за пейзажи или портреты. Картина «Яблоки и листья» лишь подчеркивает эту многогранность — мастер изобразил мертвую природу в нетипичной манере. Здесь нет красивого стола, опрятных салфеток или аккуратной выкладки фруктов и цветов. Яблоки словно бы показаны в их естественной среде, о которой мы можем лишь догадываться по темному фону вдалеке. Тем не менее, художник-реалист не изменяет своим взглядам и показывает неживую природу невероятно реалистично с естественными вмятинами и увяданием.
И. Репин. Натюрморт «Яблоки и листья». 1879 г.
Любопытно, что эту работу можно перепутать с одноименной картиной В. Серова. Но и тут нет никаких случайностей. Будучи учителем Серова, Репин дал ему задание нарисовать представленную композицию из яблок, но сам так вдохновился ею, что нарисовал свой вариант. Поэтому теперь мы имеем возможность сравнить мастерство двух именитых живописцев.
В. Серов. «Яблоки и листья». 1879 г.
Нечасто брался за натюрморты и художник-реалист И. Левитан, но все они проникнуты глубокой нежностью и словно бы лучатся светом. Левитан любил после прогулки по лесу с учениками ставить перед ними цветы. Но эта процедура обычно ограничивалась лишь постановкой вазы с цветами на стол, а не длительным созданием композиции. Если присмотреться к натюрмортам живописца, то в них нет никаких отвлекающих от самого букета деталей. Зато каждому цветку и их общей композиции уделялось максимум внимания. Здесь проявлялось все мастерство художника-реалиста, который заставлял жить, играть множеством оттенков и заставлять даже с полотна источать утонченные ароматы каждый цветок, каждый лепесток и как будто случайную травинку всей композиции.
От того так зачаровывают его «Одуванчики», «Васильки» или «Лесные фиалки и незабудки».
И. Левитан. «Васильки». 1894 г.
Также небольшое количество работ этого жанра встречаются и М. Врубеля, которого многие считают мастером «демонической» темы. Однако художник был неординарным и проявлял себя в самых разных темах и направлениях. Большинство его натюрмортов представляет собой цветочные композиции, в которых мы видим все то же рваное пространство, угловатые формы и мрачные тона, что и на картинах с изображением демонов.
М. Врубель. «Орхидея». 1887 г.
Не менее любопытен и натюрморт К. Малевича. Сложно представить, что основатель супрематизма предпочел потратить время на изображение фруктов и цветов, чем окунуться в очередную серию геометрических фигур. Однако работа «Натюрморт» была выполнена художником в 1911 году, то есть еще до того, как он нарисовал свой знаменитый «Черный квадрат» и основал супрематизм. Зато к этому времени он уже участвовал в выставках авангардистов «Бубнового валета» и увлекался новыми веяниями.
Если сравнить его «Натюрморт» с натюрмортами других представителей этого сообщества, например, с работой «Синие сливы» И. Машкова или картиной «Поднос и зеленка картонка» П. Кончаловского, то мы увидим сходство в густых черных контурах и контрастных цветах. Хотя у Малевича картина более динамична и разнопланова: одни фрукты вырисованы едва ли не детально, другие лишь обозначены, изображены плоскими с угловатыми формами, объемная ваза соседствует с плоскими тарелками, а яркие плоды с темной листвой.
К. Малевич. Натюрморт. 1911 г.
Если внимательно изучить коллекции самых известных русских художников, то мы найдем натюрморты у В. Сурикова, В. Васнецова, М. Шагала, В. Кандинского и ряда других авторов. Как мы видим, в руках русских мастеров самых разных стилей натюрморт заиграл новыми красками и показал зрителю новые возможности взгляда на реальность. Наверняка каждый найдет в этом многообразии творчества то, что именно его удивит и заставит долго всматриваться в картину.
Перспектива в натюрмортах | Узнайте, что делает 7 работ такими успешными
Поделиться:
Художники как западной, так и восточной традиции уже давно используют натюрморты для исследования возможностей пространства, композиции и перспективы. Ниже Кеннет Дж. Проктер, художник, представленный Alan Avery Art Company в Атланте, и декан Колледжа искусств и наук в Колледже Джорджии, исследует, что делает семь натюрмортов такими удивительно узнаваемыми.
Кухонные стойки
Кухонные аранжировки Жана Симеона Шардена — это камерная музыка жанра натюрморта — небольшие ансамбли скромных предметов, изысканно расставленных, каждый элемент имеет свой четкий голос, каждый нюанс очевиден для глаза. Меньше делает больше. Натюрморт с белой кружкой кажется спокойной композицией, но Шарден преподносит сюрприз. Нож для очистки овощей срезает клин между кружкой и фруктами. Нож запускает волну пиков и провалов, которая почти опрокидывает дальнюю грушу и подталкивает другую грушу в опасной близости к уступу.
9№ 0003 Натюрморт с белой кружкой . Автор Жан Симеон Шарден, ок. 1764 г., холст, масло, 13 1/16 x 16 1/4. Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия,
Движение справа налево — противоположное направлению, к которому привыкли наши глаза, — добавляет напряжения и силы. Ведь не так уж и тихо. Рукоятка ножа выступает из картины, мост между объектами и нашей стороной уступа — иллюзия, которая отчасти удается, потому что обратная кромка кажется почти на одном уровне с картинной плоскостью. То, как мы воспринимаем и понимаем плоскость изображения и его отношение к изобразительному пространству, имеет фундаментальное значение для перспективы. Перспектива создает окно в пространство, и Шарден тычет ножом прямо в окно.
Арбузные чудеса
На первый взгляд, картина Поля Сезанна «Натюрморт с арбузом и гранатами » напоминает натюрморт Шардена с кухонным прилавком. Композиция Сезанна выглядит безмятежной, но в ней есть тревожная двусмысленность.
Вместо ножа Сезанн засовывает в аранжировку арбуз, чтобы расшевелить обстановку. В ответ графин наклоняется влево, как будто его подталкивают к основанию. Но не свалится. Угол — это не физическая реакция на массу арбуза, а композиционная реакция на толчок визуального веса дыни.
«Натюрморт с арбузом и гранатами» Поля Сезанна, ок. 1900–1906 гг., акварель по графиту на бумаге верже, 12 3/8 x 19 3/16. Метрополитен-музей, Нью-Йорк,
. Натюрморт Шардена теневой, как будто он находится глубоко на кухне, вдали от окна. Тень — неотъемлемый элемент композиции; отбрасываемая тень на уступ имеет решающее значение для иллюзии рукоятки ножа. Для сравнения, композиция Сезанна — это классическая прозрачно-акварельная техника, открытая белизне бумаги, воздушная и легкая.
Вместо моделирования Сезанн модулирует цвета. Пятно за пятном на картине он переключается между оттенками, устанавливая свет, тень и отраженный свет. Арбузная масса происходит от теневого синего, более темного, чем арбузно-зеленый, но все же чистого, «незатененного» цвета.
Отличительной чертой влияния импрессионизма на палитру Сезанна является синий цвет тени на улице.
Сезанн, должно быть, устроился у окна. Ближний край стола, по-видимому, на одном уровне с картинной плоскостью, обосновывает композицию, как на картине Шардена. Но фриз объектов находится на некотором расстоянии назад или вверх, в зависимости от того, воспринимаете ли вы пространство как иллюзию или как буквальную плоскую плоскость. Предвосхищая модернистскую революцию, которая перевернет традиционное живописное пространство, Сезанн намекает на то и другое. Мы смотрим вниз на стол, поэтому «вверх» следует читать как «назад». Но там, где арбуз, кажется, касается рамы — явление, называемое ложной привязанностью, — это прямое падение к передней части стола. Ощущение, что стол падает прямо вниз или наклоняется к глазу, противоречит перспективе. Картина Сезанна нарушает фундаментальное предположение о перспективе — что существует одна фиксированная точка зрения.
Все об атмосфере — в натюрмортах
Атмосферная перспектива — туманность и цветовые переходы, напоминающие воздух и расстояние — характерны для пейзажного искусства, но неофициально имеют аналог в натюрморте.
Мягкий фокус Шардена и размытые края создают воздух вокруг его объектов. Это способствует иллюзии того, что кружка и фрукты стоят на настоящей полке, и поддерживает переход от предметов через короткое пространство к нечеткой задней стене.
Ломаные очертания и пятнистая краска Сезанна аналогичны туманным краям Шардена. Сезанн рисует и перерисовывает свои объекты. Эффект подобен наброску, где каждый последующий мазок обнуляет контуры, за исключением того, что ломаные очертания Сезанна имеют тенденцию размывать формы. Вместо иллюзии набросочные ломаные контуры и неоднородная краска создают атмосферу и пространство, хотя они сглаживают и приклеивают все на картинную плоскость.
Цвет и композиция
В «Букет цветов» Одилон Редон использует сухое бархатистое сияние пастели для изображения цветов чистым, сияющим цветом. Тени и темный фон могут заставить яркие цветы Редона фосфоресцировать, но тени имеют свою цену.
«Букет цветов» .
Одилон Редон, ок. 1900–1905 гг., бумага, пастель, 31 5/8 x 25 1/4. Метрополитен-музей, Нью-Йорк,
Как известно каждому художнику, тени затемняют и тускнеют яркие пигменты. Чтобы избежать притупления, Редон в основном избегает затенения. Там, где ему нужна тень, как на левой стороне вазы, он использует темно-синий цвет, связанный с более светлым синим цветом. Синий теневой — это чистый, насыщенный и незатененный синий. Темные тона окружают вазу и «затеняют» некоторые листья и лепестки. Цвет и текстура обволакивают вазу в нише, наполовину плотная, наполовину атмосферная. Bouquet of Flowers стоит в мире чистых цветов — неземном, сказочном и призрачном.
Стратегические натюрморты
Объединение объектов в плотную группу — проверенная композиционная стратегия. В серии «Баклажаны » Чарльз Демут кладет три баклажана на смятую ткань. Придать композиционную роль окружающему пространству – сложная задача. Смятая скатерть, в основном из белой бумаги, служит фольгой для баклажанов.
Белый усиливает их драматичный пурпурно-черный вес. 9№ 0003 «Баклажаны» Чарльза Демута, 1927 г., бумага, акварель, графит, 19 7/8 x 19 3/4. Метрополитен-музей, Нью-Йорк,
Чтобы активировать самое внешнее пустое пространство, Демут направляет стебли и их рифмующиеся тени из центрального кластера. Затем, чтобы перейти от ткани к пространству и приколоть баклажаны к поверхности, Демут формирует складки в кристаллические структуры, которые сужаются в линии, идущие к краям бумаги. Эта тактика напоминает о его корнях в прецизионизме, берущем свое начало в кубизме. Мы также можем читать композицию в обратном порядке — от пространства к линиям и от линий к складкам — с баклажанами, которые, кажется, вырастают из теней и бумаги. Баклажаны задом наперёд катятся вперёд по загнутой вверх плоскости. Подтолкнуть их к нам на колени.
Восточный подход
Создание формы и пространства из пустого плоского пространства — основная стратегия реализма и основное средство рисования в западном искусстве.
Перспектива создает иллюзию пространства, чтобы размещать и удерживать твердые объекты. В традиционной западной перспективе все — форма, пространство, ортогонали, относительный масштаб — происходит от реальной или воображаемой «станционной точки». Натюрморт Шардена следует правилам. Точка станции определяет уровень глаз, а уровень глаз явно расположен чуть выше края кружки в ракурсе. Шарден также дразнит правила — вопреки принципу уменьшения размера с расстоянием, он кладет большое яблоко сзади.
Традиционная китайская живопись кистью изображает форму и пространство различными средствами, не соответствующими западной перспективе, которая организует изображение вокруг одной точки зрения. В « тысячелетних персиках » Шэн Го каждый объект создает для себя достаточно места. Остальная часть бумаги плоская, белая и пустая, восприимчивая к поэзии.
Картины и стихи
Полная западная перспектива противоречит восточной традиции изображения и поэзии как равноправных партнеров в произведении искусства.
Каллиграфия плоская и абстрактная, поэтому форма не может быть слишком круглой — плоское и круглое не будут хорошо сочетаться в иллюзионистском пространстве.
Тысячелетние персики Шэн Го, середина 1990-х, тушь и акварель на рисовой бумаге, 25 1/2 x 25 1/2.
Го четко очерчивает изгиб и объем корзины для персиков. Но он ломает ручку так, что кажется, что веточка листьев перекрывает ее. В промежутке плоская бумага и подразумеваемая форма существуют одновременно. В этот момент ручка и веточки выглядят как каллиграфия, как плоский абстрактный рисунок. Шарден заштриховал персики, чтобы округлить объемы, а затем нарисовал отбрасываемые тени, чтобы расположить их в пространстве.
Картина Го больше похожа на картину Демута — красота чистого цвета важнее полностью реализованного объема. Го так тонко моделирует кожицу персика, что два персика сливаются вместе. Чтобы различить их без тени и сохранить поэтическое видение красоты, Го шлепает между ними лист.
Немного персика, проглядывающего сквозь плетение в корзине, устанавливает его на место — тени не нужны. Композиционные приемы Го предполагают достаточно.
Вопреки ожиданию, что с расстоянием предметы кажутся меньше, Гуо кладет большой персик сзади (как Шарден!) только потому, что ему нужен большой персик для баланса. Оба персика диаметром 6 и 7 дюймов действительно большие. Без стола или фона и ничего, что могло бы показать относительный масштаб, они выглядят больше, чем в жизни. В стихотворении Го описываются персики размером с доу — размером с баскетбольный мяч.
Смысл многих западных натюрмортов — в частности, натюрмортов vanitas — заключается в том, что красота увядает, а смертность не за горами. Напротив, китайские образы призваны принести в дом удачу и долгую жизнь. Улыбнитесь гигантским персикам и насладитесь благословением стихотворения:
Персики с тысячелетнего дерева такие же большие
как ду-
Старые святые собирают их для варки вина;
Один глоток этого вина продлит долгую-долгую жизнь
И стойкий розовый цвет лица.
Контролируемый хаос
Расположение композиции на плоской поверхности устраняет объем и глубину. В иллюзии trompe l’oeil глубина невелика. Изображение и картинная плоскость почти одно и то же. В книге Уильяма Харнетта «Подставка для писем художника» слова — это изображения, и они сосуществуют без пространственного конфликта.
Подставка для писем художника Уильяма Майкла Харнетта, 1879 г., холст, масло, 30 x 25. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Аранжировка имеет бессистемный вид, как если бы Харнетт посмотрел на стену и обнаружил композицию. Наоборот — все размещено именно так. Квадрат из лент объединяет центр, но стороны не совсем параллельны — достаточно, чтобы создать динамическое напряжение. Карточки и конверты, спрятанные за лентами, кажутся случайными. Но наши глаза находят закономерности, выравнивания и намек на радиальную симметрию.
Как города на карте, каждый объект, узел и пятно господствует над окружающим пространством.
Харнетт поместил эти пятна достаточно далеко друг от друга и достаточно близко друг к другу, чтобы промежутки между ними не казались ни переполненными, ни пустыми, ни необдуманными. Сдвиньте что-нибудь на дюйм, и дизайн выйдет из строя. Фоновые пятна и текстура дерева, как и белый шум, заполняют остальную часть пространства.
Расчетный шанс
Настоящую случайность трудно создать. Чтобы натурализовать клумбу тюльпанов, садовники выбрасывают луковицы и сажают их именно там, где они упадут. Попробуйте расположить их хаотично, и у вас получится узор. Рисование в пьяном виде может быть похоже на бросание цветочных луковиц. Надпись на «Одолжите весенний ветер, чтобы написать процветание » утверждает, что она была создана в «Беседке пьяных цветов». Забавно представить художника пьяным, но я на это не куплюсь. Да, композиция эксцентрична и вольна — горшки и корзины наклоняются и качаются, а тонкая шпалера едва выдерживает пышную массу пионов. Но это все поэтическое тщеславие.
Все соединяется и уравновешивается.
Одолжите весенний ветер, чтобы написать о процветании «Облако на вершине горы», примерно конец 1990-х — начало 2000-х, тушь и акварель на рисовой бумаге, 25 x 25.
Визуальная масса каллиграфии, которая, вероятно, была последнее, что нарисовано, переносит пространство через верх. Внизу слева художник подписался псевдонимом: «Облако на вершине горы». Витая головой в облака, опьяненный весной, бездельничая в Беседке «Пьяный цветок», так или иначе он был нетрезв. Он, возможно, потерял равновесие, но его композиция держится вместе.
Версия этой статьи, написанная Кеннетом Дж. Проктером, впервые появилась в Artists Magazine .
Акции:
изысканные Rachel Ruysch’s Exquisite Still Lifes произвели революцию в форме
Art
Alexxa Gotthardt
21 мая 2020 г. 8:17 вечера
Рэйчел Руш, Still Life с Rose Branch, Beetle и Bee , 1741. Базель.
Когда несколько месяцев назад в Интернете появился ныне известный мем Долли Партон «Найди себе женщину, которая может все», мой занудный, пропитанный историей искусств мозг переключился на голландскую художницу 17-го века Рэйчел Рюйш.
В последнее время я был очарован достижениями Рюйш и ее посредничеством в карьере и семье. Она произвела революцию в натюрмортах, продала свои полотна дороже, чем Рембрандт, и внесла свой вклад во влиятельные научные разработки — и все это при воспитании 10 детей. И это только царапает поверхность ее истории.
У Рюйш было уникальное, даже причудливое воспитание, которое напрямую отразилось на ее картинах, на которых были изображены пышные букеты и угрюмые, испещренные амфибиями лесные подстилки. Родившаяся в 1664 году, она с юных лет была окружена как искусством, так и наукой. Ее мать, Мария Пост, происходила из творческой семьи: ее отец был голландским имперским архитектором Питером Постом, а дядя, Франс Пост, был ведущим художником-пейзажистом. Собственный отец Рюйш, Фредерик, привнес научные способности в ее генофонд. Известный врач и ботаник, он с 1667 года служил преэлектором (или офицером колледжа) Амстердама по анатомии, а впоследствии занял должности профессора ботаники и руководителя городского ботанического сада.
Его главным достижением, однако, был его знаменитый кабинет анатомических и ботанических редкостей: пятикомнатная коллекция забальзамированных и залитых воском органов, животных, растений и бесчисленного множества других странностей, которые он изображал в искусных, мрачных диорамах (в одном, рука ребенка держит вылупившееся черепашье яйцо).
Фредерик Рюйш, Thesaurus animalium primus , 1710. Изображение с Викисклада.
Фредерик Рюйш, фрагмент Thesaurus animalium primus , 1710. Изображение с Викисклада.
Реклама
Фредерик тоже собирал искусство. Он был поклонником местного художника Отто Марсеуса ван Шрика, который был известен своими изображениями темных, переполненных грибами и насекомыми лесных подстилок — жанр, известный как sottobosco . Когда Ван Шрик скончался в 1678 году, Фредерик раскупил сотни сохранившихся бабочек из поместья художника, а также несколько его картин.
Взросление среди этих трофеев вдохновило Рюйша на навязчивые зарисовки флоры и фауны.
Когда ей было 14, отец разрешил ей учиться у Виллема ван Алста, широко известного как главный амстердамский художник натюрмортов и цветов. В то время это была редкая возможность для молодой женщины, и в течение следующих нескольких лет Рюйш оттачивала свои навыки рисования и начала разрабатывать свой собственный стилистический репертуар.
Ее работа была методичной, кисть тонкой и исключительно точной. Как задокументировано историком Лууком Коймансом, Рюйш сначала заложила всеобъемлющую основу своих композиций, а после того, как краска высохла, использовала тонкие кисти, чтобы украсить их завораживающими мелочами: листьями, укушенными насекомыми; хрупкие, вытягивающиеся лепестки; тонкие, как иглы, травинки; и насекомые с узорчатыми спинками и полупрозрачными крыльями. Иногда она использовала настоящий мох для нанесения краски — техника, заимствованная у Ван Шрика и Ван Алста, — и крылья бабочки, чтобы придать своим поверхностям текстуру.
Рэйчел Рюйш, Розы, вьюнки, маки и другие цветы в урне на каменном уступе , 1680-е гг.
Изображение с Викисклада.
Рэйчел Рюйш, деталь Розы, вьюнки, маки и другие цветы в урне на каменном уступе , 1680-е гг. Изображение с Викисклада.
Рюйш быстро завоевала репутацию в Амстердаме благодаря очаровательному реализму растений и насекомых, которыми наполнены ее картины; они не были идеализированы, а скорее намекали на смертность и жизненный цикл. Стебли наклонились, а бутоны тяжело повисли от естественной энтропии. Листья были продырявлены пастями жуков. Пчелы потягивали тычинки, напившись пыльцы и зарываясь в лепестки.
Эти элементы показали глубокие знания Рюйш о растительном и животном мире, почерпнутые из часов, проведенных в коллекции ее отца и в амстердамском ботаническом саду. Рюйш часто рисовала изнанку цветов, раскрывая свои глубокие исследования растений с разных сторон. В работе 1683 года Натюрморт с чертополохом между гвоздиками и васильками на замшелой лесной подстилке, с бабочками и сверчком в центре композиции находится зад мака, окруженный готовыми распуститься бутонами и умирающей гвоздикой, его лепестки ниспадали на замшелую лесную подстилку.
(Недавно мак на этой картине был переосмыслен современным художником Николя Патти на выставке под названием «Sottobosco» в Hauser & Wirth.)
Менее явное научное влияние также проникло в картины и процессы Рюйша. Вазы, которые она включала в свои цветочные натюрморты, часто были полупрозрачными, как мензурки или стеклянные банки для подготовки ее отца, и она использовала римские цифры для датирования и каталогизации своих работ — система, заимствованная из научной идентификации.
Рэйчел Рюйш, Натюрморт с чертополохом между гвоздиками и васильками на замшелой лесной подстилке, с бабочками и сверчком , 1683. Изображение с Wikimedia Commons.
Рэйчел Рюйш, фрагмент Натюрморт с чертополохом между гвоздиками и васильками на замшелой лесной подстилке, с бабочками и сверчком , 1683 год. Изображение с Wikimedia Commons.
В то время как изображения отдельных растений и животных у Русич излучали научную точность и ученый реализм, она соединяла их в причудливые картины.
Wunderkammer ее отца включала в себя образцы цветов со всего мира, а ее картины с буйными, запутанными букетами смешали сорта, которые цвели в разные сезоны и росли в разных частях мира. Другими словами, Рюйш создал причудливую экологию, в которой цветки яблони и апельсиновые лилии могли цвести одновременно. Она также была одной из первых западных художников, которая использовала кактусы в своих натюрмортах, например, в Натюрморт с дьявольской трубой, кактусом, фиговой веткой, жимолостью и другими цветами в вазе из синего стекла, покоящейся на уступе (ок. 1690 г.), а также первое изображение Алыте, или жабы-повитухи, в произведение соттобоско.
Это слияние изысканного реализма и творческой композиции было новаторским: оно не «соответствовало ни просто преобладающим условностям аллегорического цветочного натюрморта того периода, ни условностям научной иллюстрации, но участвовало в обоих», как отмечает искусствовед Марша Мескиммон. в ее книге 2012 года Женщины в искусстве: история, субъективность, эстетика .
Интересно, что Рюйш не просто наблюдала за коллекцией образцов своего отца; она также сыграла ключевую роль в организации диорам, на которые приезжали поглазеть посетители со всей Европы. Еще в 1680 году, когда Рюйш была подростком, она сшила и позировала элементы забальзамированных выставок memento mori, в которых научная документация сочеталась с эксцентричным мастерством. В некоторых случаях «скелеты эмбрионов помещали на «камни» из камней в почках и мочевом пузыре и устанавливали среди кровеносных сосудов, надутых так, чтобы они выглядели как крошечные деревья», по словам Койманса. Историк-антрополог Элизабет Халлам отметила, что по крайней мере один забальзамированный плод носил цветочную корону и держал букет цветов, что указывает на слияние интересов Фредерика и Рэйчел.
Rachel Ruysch, Натюрморт с дьявольской трубой, кактусом, веткой инжира, жимолостью и другими цветами в вазе из синего стекла на выступе , ок. 1690. Изображение с Викисклада.
Рэйчел Рюйш, деталь Натюрморт с трубой дьявола, кактусом, веткой инжира, жимолостью и другими цветами в вазе из синего стекла на выступе , ок.
1690. Изображение с Викисклада.
Рюйш также научила своего отца рисовать, роль, которую «нельзя недооценивать», пишет Мескиммон. «Публикуемые изображения были важнейшим средством распространения научных знаний по всей Европе в тот период, и вклад Рэйчел в этот аспект практики Фредерика был весьма ценным». Благодаря сотрудничеству между Рюйш и ее отцом «развился визуальный обмен между анатомическим кабинетом и натюрмортом, — объяснил Халлам, — оба наполнены символами для нравственного созерцания, а также представляют образцы для детального наблюдения».
Помогая отцу, репутация Рюйш как художника-натюрморта резко возросла, как и ее клиентская база. Учитывая недавний бум голландской садоводческой промышленности и процветающую торговлю луковицами, цветочные натюрморты были особенно модными, а цены Рюйш были достаточно высоки, чтобы ей приходилось рисовать всего несколько картин в год. К тому времени, когда она вышла замуж за коллегу-художника Джуриана Пула в возрасте 29 лет, она уже утвердилась в своем собственном праве и сохранила свою девичью фамилию.
К 1699 году она стала первой женщиной, ставшей членом Гаагского общества художников 9.0011 Pictura , а к 1708 году она и Пул стали придворными живописцами могущественного герцога Иоганна Вильгельма II в Дюссельдорфе.
Рэйчел Рюйш
Цветочный натюрморт
Музей Халлвил, Стокгольм
Рэйчел Рюйш, Ваза с цветами , 1700 г. Изображение с Wikimedia Commons.
В то время как большинство имперских художников переехали в город, где проживали их покровители (процесс, известный как Residenzpflicht) , Рюйш имела достаточно влияния, чтобы убедить Вильгельма позволить ей остаться в Амстердаме, посылая одну картину в год курфюрсту и посещая его дворец лишь изредка. В конце концов, у Рюйш было много детей, и она не хотела искоренять свою семью. (Ее 10-й и последний ребенок, родившийся, когда ей было 47 лет, стал крестником Вильгельма II.)
Покупатели Рюйш были богаты и влиятельны, но она сохранила свободу творчества и «отказалась адаптировать [свою] работу и личность к желаниям конкретного покровителя», — писал Даниэль Маргочи в «Коммерческие взгляды: наука, торговля и визуальная культура».
в Золотом веке Нидерландов (2014). Тем не менее ее работы стоили огромные суммы, которые, как известно, продавались по цене до 1200 гульденов за одно полотно. Для сравнения: «Рембрандт никогда не получал за картину больше 500 гульденов», как объяснила куратор Национальной галереи Нина Кэхилл.
Рэйчел Рюйш
Цветы в вазе , около 1685
Национальная галерея, Лондон
натюрморты, которые Рюйш продал торговцу тканями Питеру де ла Курт ван дер Воорту за 1500 гульденов. Уффенбах описал их как наделенных «особенно тонкой кистью» и вспомнил, как Рюйш рисовал две другие работы для Козимо III Медичи, где «разбросаны всевозможные птичьи гнезда, насекомые и тому подобное».
Всего несколько лет спустя, в 1716 году, муж Рюйш написал портрет своей жены по заказу Вильгельма. Подход Пул был уникальным, и финальная фотография намекает как на редкое мастерство и успех Рюйш, так и на ее способность совмещать работу и семейную жизнь. На картине Рюйш сидит впереди и в центре, а Пул изображает себя позади нее, указывая на один из ее холстов.