Содержание
Юмор Анекдоты про художников и современное искусство
Художник спросил у хозяина галереи, интересовался ли кто его полотнами.
— О, да! Один господин интересовался, поднимутся ли картины в цене после вашей смерти. Я сказал, что обязательно, и тогда он купил сразу 15 картин.
— Великолепно! Кто этот господин? — спросил художник.
— Ваш лечащий врач, — ответил хозяин.
Человек, посетивший мастерскую художника, обратился к нему с просьбой:
— Не можете ли вы мне что-нибудь предложить — недорого и в масле?
— Банку сардин.
Женщина рассказывает подруге:
— Мой муж — художник-авангардист, и мы с ним прекрасно уживаемся: утром он пишет картины, а я готовлю обед. А днем мы угадываем, что у кого получилось.
Художник — абстракционист говорит приятелю:
— Я попал в трудное положение.
Клиент, который заказал мне свой портрет , хочет, чтобы я изменил цвет его глаз.
— Ну, измени, что тебе стоит?
— Так ведь я не помню, в каком месте нарисовал глаза!
— Дорогая,- обращается кавалер к своей даме после длительного и утомительного блуждания по залам выставки модернистского искусства,- обрати внимание, как трогательно смотрятся два простеньких реалистичных силуэта, на фоне нагромождений и абсолютно непонятных сюжетов!
— Говори, пожалуйста, тише! Это же таблички на дверях туалетов.
“Несмотря на подпись Левитана, это — Левитан”
Новый русский покупает картину Рембрандта. Спрашивает:
— А гарантия, что картина не поддельная, есть?
— Конечно, — отвечает продавец. — Гарантия 3 года.
Встречаются два новых русских:
— Я себе Картину прикупил, называется «Черный квадрат».
Малевич рисовал.
— Не, ты постой, это я себе купил подлинник «Черный квадрат» Малевича.
— Так у тебя Виктор Малевич, а у меня Михаил!
Богатый турист купил в Италии ценную картину эпохи Ренессанса. Чтобы не задержали на таможне, попросил знакомого художника намалевать поверх картины какой-нибудь простенький пейзаж. Приехав домой, он сдал картину в реставрационную мастерскую, чтобы там смыли намалёванное сверху.
Через 2 дня реставратор звонит заказчику:
— Верхний пейзаж я смыл, вместе с ним сползла и картина эпохи Возрождения. Из-под неё показался портрет Муссолини. Продолжать работу или уже хватит?
Прогуливается новый русский со своей маленькой дочуркой по берегу живописного озера. Видит — художник рисует пейзаж. Новый русский с дочкой встают у него за спиной и наблюдают за работой художника. Через некоторое время новый русский назидательно говорит дочке: — Вот смотри, дочка, как дядька без поляроида мучается!
Новый русский, покупая картину у художника, спрашивает:
— А почему у тебя всё такое непонятное?
— А это потому, что я так вижу.
— Во, блин! А чё тогда очки не носишь?
Пришли два новый русских в музей искусств, купили две самые дорогие картины и один другому говорит:
— Ну что, открытки купили, теперь пошли и подарок купим!
Приходит один новый русский к другому домой. Видит на стене у того “Мона Лиза” висит. Спрашивает, что это, для чего и т.д. Тот ему и объясняет: так мол и так, это картина “Мона Лиза”. Через некоторое время приходит второй новый русский к первому и видит, что у того на стене две такие картины висят. Он недоуменно спрашивает:
— А зачем тебе две картины?
— Да у тебя моно, а меня стерео!
Новый русский выбирает картину в галерее:
— А эту кто нарисовал?
— Это картина Питера Пауэля Рубенса, фламандская школа…
— Ну, ни фига себе! Столько денег за мазню какого-то школьника!
Гид в музее:
— Перед вами знаменитая картина Рембрандта «Ночной дозор»!
Новый русский:
— Что-то я, пацаны, не врубаюсь.
Такой крутяк фильм, а афиша — фуфло!
Новый русский показывает приятелю свою картинную галерею. Приятель остановился у одной картины и с восхищением воскликнул:
— Какое чудо! Эта картина, без сомнения, кисти Рембрандта.
— Рембрандта или Феррари.
— То есть как?
— Я купил в один и тот же день картину и автомобиль. У меня еще не было времени разобраться, кому и за что я заплатил.
— Вы художник?
— Да.
— Сколько стоит эта ваша картина?
— 8 тысяч долларов.
— Ни фига себе! Можно подумать, что вы умерли лет 200 назад!
На выставке картин экскурсовод — Брежневу:
— Вот Шишкин, Утро в сосновом лесу.
— Хорошая картина, говорит Брежнев
— Вот Айвазовский, Девятый вал.
— Тоже хороша.
— А вот Врубель.
— Хорошая картина и к тому же недорогая!
Великий художник Рубенс любил изображать на холсте свою жену обнаженной. А ценители смотрели на эти картины и говорили «Классно!» и покупали их себе в коллекцию. Тогда жена Рубенса нарисовала самого Рубенса и тоже обнаженным. А зрители стали показывать на картину пальцами и смеяться.
— Вот так, дура, нет у тебя художественного таланта, — сказал жене довольный Рубенс.
Пикассо сказал, посетив выставку детских рисунков:
— Когда я был в их возрасте, я мог писать как Рафаэль, но потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они.
Пикассо водит гостей по своей выставке:
— Это мой автопортрет. А это портрет моей жены.
— Надеюсь, у Вас нет детей?
Пикассо заказал краснодеревщику набор мебели для загородного дома.
Для наглядности он быстро набросал эскиз и спросил:
— Сколько это будет стоить?
— Нисколько! Только подпишите эскиз.
В студию Пикассо пришла миллионерша. заинтересовалась картиной, написанной в кубической манере:
— А что здесь нарисовано?
— Двести тысяч долларов — ответил художник.
Пикассо садится в такси, таксист его узнал и говорит:
— Зачем вы так непохоже пишете?
— А похоже — это как?
Таксист достает из бумажника фотографию жены:
— Вот моя жена, здесь она на себя похожа.
— Что, она на самом деле такая маленькая и плоская?
Друзья заметили, что на стенах в доме Пикассо нет ни одной картины хозяина.
— Тебе не нравятся твои картины?
— Очень нравятся, но мне они не по карману.
..
— Какая у вас странная картина. Называется — «Кот в сапогах». Сапоги вижу, а где же кот?
— Так он же в сапогах!
— Я совсем не понимаю это современное искусство.
— Да нет ничего проще. Если произведение можно обойти вокруг, то это скульптура. А если висит на стене — значит картина.
Автор: Руслан Озеров, художественная галерея Арт СПб
Рубрика: изобразительное искусство, юмор, анекдоты про художников
© Материал подготовлен художественной галереей Арт СПб
При полном или частичном копировании прямая ссылка на сайт — www.art-spb.ru обязательна!
Маковский Владимир Егорович — биография художника, личная жизнь, картины
Вместе со своими братьями и сестрами Владимир Маковский с детства учился рисовать и мечтал стать художником. Он закончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества и стал одним из основателей и членов правления Товарищества передвижных выставок.
Маковский прославился благодаря своим жанровым сценкам, картинам на революционные сюжеты, портретам украинских крестьян.
«Я не знаю какое искусство люблю больше, живопись или музыку»: детство Владимира Маковского
Владимир Маковский. Портрет Егора Маковского, отца художника. 1880. Частное собрание
Константин Маковский. Портрет Владимира Маковского в детстве (фрагмент). 1854. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Василий Тропинин. Портрет Любови Молленгауэр, матери Владимира Маковского (фрагмент). 1830-е. Саратовский художественный музей им. А.Н. Радищева, Саратов
Владимир Маковский родился 7 февраля 1846 года в Москве. Его мать, певица Любовь Молленгауэр, преподавала в Московской консерватории. Отец, Егор Маковский, был членом Московского художественного общества и одним из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
В семье росло пять детей. С ранних лет отец учил их рисовать. В гости к Маковским часто приходили известные живописцы того времени: Василий Тропинин, Сергей Зарянко и Карл Брюллов. Они занимались с детьми, разрешали посещать свои мастерские. Позднее Константин, Николай и Александра Маковские также стали художниками.
Владимир Маковский. Мальчики в поле (фрагмент). Конец XIX века. Костромской государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Кострома
Владимир Маковский. Квасник (фрагмент). 1861. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Дилетант (фрагмент). 1895. Закарпатский художественный музей им. И. Бокшая, Ужгород, Закарпатская область, Украина
Свою первую картину Владимир Маковский написал в семь лет — изобразил одного из родительских гостей. Под руководством отца начинающий художник копировал гравюры. С матерью Маковский занимался музыкой. Он умел играть на гитаре и скрипке, хорошо пел. Позднее вспоминал: «Я не знаю какое искусство люблю больше, живопись или музыку… Каждый день я, бросая кисть, берусь за смычок и играю, один, для себя…»
В 1861 году Владимир Маковский поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Он занимался в классе художников Сергея Зарянко и Евграфа Сорокина, учеников Алексея Венецианова. В следующем году на студенческой выставке показали картину Маковского «Квасник». На ней художник изобразил мальчика, который продавал квас. Это полотно он создал под руководством отца и Василия Тропинина. Они требовали от Маковского правильно строить композицию и точно передавать натуру, быть внимательным к деталям.
«В этих маленьких картинках есть любовь к человечеству»
Владимир Маковский. Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей (фрагмент). 1869. Частное собрание
Владимир Маковский. Литературное чтение (фрагмент). 1866. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Охотники на привале (фрагмент). 1887. Серпуховский историко-художественный музей, Серпухов, Московская область
В 1866 году Владимир Маковский окончил училище. За работу «Литературное чтение» он получил Большую серебряную медаль.
Героев картины он писал с отца и своей невесты Анны Герасимовой.
Несколько лет Владимир Маковский работал над картиной «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей». Полотно он создал под впечатлением от рассказа Ивана Тургенева «Бежин луг». После того как художник прочитал другие произведения Тургенева, он начал писать картины с изображением крестьянских детей. Позднее по мотивам «Записок охотника» он создал картину «Охотники на привале».
За полотно «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей» Маковский получил золотую медаль имени французской портретистки Виже-Лебрен от Академии художеств. На награду ежегодно выдвигали наиболее выразительные картины, где живописцы тонко передали эмоции героев. За эту же работу Маковскому дали звание классного художника I степени. Оно позволяло получить личное дворянство и денежное пособие, а также съездить на учебу в Европу за счет Академии художеств.
Владимир Маковский. В приемной у доктора (фрагмент). 1870. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский.
Игра в бабки (фрагмент). 1870. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Любители соловьиного пения (фрагмент). 1872–1873. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В 1869 году Владимир Маковский женился на Анне Герасимовой. В том же году у него родился сын Александр. После этого Маковский вновь стал рисовать детей. Эта тема стала главной в творчестве художника в 1870-х. Картина «Игра в бабки» с изображением крестьянских ребятишек стала первой, которую купил для своей галереи Павел Третьяков. В дальнейшем меценат еще несколько раз приобретал у художника полотна.
Также Владимир Маковский писал юмористические жанровые сценки. На таких картинах художник сатирически изображал купцов, мещан и чиновников. В 1870 году он написал сценку «В приемной у доктора». Об этой работе критик Владимир Стасов писал: «Владимир Маковский — один из тех художников, которые на моих глазах в короткое время сделали самые большие успехи. Нынешняя его «Приемная у доктора»… одна из примечательнейших… картинок современной русской школы».
За картину «Любители соловьиного пения», которую Маковский написал в 1873 году, он получил звание академика живописи. Общество поощрения художеств наградило живописца денежной премией. В том же году картины Маковского впервые показали за границей. Полотна «Любители соловьиного пения» и «В приемной у доктора» отвезли в Вену на Всемирную универсальную выставку. В иностранной прессе писали о «чисто русских сюжетах Маковского», самобытности его картин.
«Любители соловьиного пения». Ну что, спрашивается, поймет в этой картине немец. Мы же смотрим на картинку и улыбаемся; вспоминаем про нее потом, и нам опять почему-то смешно и приятно. Право, и пусть смеются надо мной, но вот в этих маленьких картинках, по-моему, есть даже любовь к человечеству, не только к русскому в особенности, но даже и вообще.
Владимир Маковский. 10-летний севастополец Коля Пищенко на батарее (фрагмент). Серия «Эпизоды севастопольской жизни 1854–1855 годов». 1872.
Государственный исторический музей, Москва
Владимир Маковский. Смертельное ранение адмирала П.С. Нахимова 28 июня 1855 года (фрагмент). Серия «Эпизоды севастопольской жизни 1854–1855 годов». 1872. Государственный исторический музей, Москва
Владимир Маковский. Игры севастопольских детей (фрагмент). Серия «Эпизоды севастопольской жизни 1854–1855 годов». 1871. Государственный исторический музей, Москва
По заказу Общества любителей естествознания, антропологии и этнографии Московского университета Владимир Маковский и Илларион Прянишников изготовили «Севастопольский альбом». Художники выполнили серию картин, которые были посвящены Крымской войне 1853–1856 годов и обороне Севастополя. Альбом показали на специальной выставке Общества в 1872 году.
Владимир Маковский — передвижник
Владимир Маковский. Посещение бедных (фрагмент). 1874. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. В передней (фрагмент).
1884. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Ночлежный дом (фрагмент). 1889. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Еще в 1870 году Владимир Маковский стал одним из 15 художников, которые подписали устав Товарищества передвижных художественных выставок. Среди целей этой организации были «облегчение для художников сбыта их произведений» и «развитие любви к искусству в обществе». Кроме Маковского устав подписали Василий Перов, Алексей Саврасов, Николай Ге. В выставках передвижников участвовали братья художника — Николай и Константин Маковские.
В 1872 году Маковского приняли в члены Товарищества, а еще через год художник вошел в правление общества. С этого момента он принимал участие почти во всех выставках передвижников. Маковский вспоминал: «Репин говорит, что нужно семь раз умереть, прежде чем написать картину. Это, конечно, так… А я семь раз умираю после того, как напишу картину… Ведь картина по России ездит, что Россия скажет, вот что главное: вот где суд!»
В те годы картины Маковского стоили недорого.
В начале 1870-х у него было двое детей, и, чтобы заработать деньги для семьи, художник рисовал иллюстрации для журналов, расписывал плафоны и вазы. По заказу дворян он создавал иконостасы для домашних церквей.
Маковский почти перестал писать картины с юмористическими сценками. В его работах появилась социальная тема. Он писал портреты нищих и бедняков, картины «Посещение бедных», «Ожидание. У острога» и «Толкучка». Героями картин Маковского часто становились случайные прохожие. Живописец гулял по улицам Москвы и делал наброски с тех людей, которые казались ему интересны.
Выступят, бывало, у него на лбу крупные капли пота от досады, но он усмехнется, поскребет у себя нервно за ухом и только проговорит со вздохом: «Ничего, вот скоро, скоро уж примусь за этого приятеля… Посмотрите-ка, батенька, что за тип?» И, увлекаясь, он начинает перебирать рисунки, перелистывать альбомы, и, волнуясь, весь живет тут, весь отдается этой жизни своего будущего, всеми нервами, забывая все свое и плафонное и иконописное горе.
Он посещает все богадельни, где его стали уже величать «Ваше превосходительство», он знает все захолустья Москвы, все трущобы; его встретите на рынках, на народных гуляньях, на всех толкучках, и тут же на балах, в театрах, концертах, в маскарадах, на бульварах и т. д.
Он посещает все богадельни, где его стали уже величать «Ваше превосходительство», он знает все захолустья Москвы, все трущобы; его встретите на рынках, на народных гуляньях, на всех толкучках, и тут же на балах, в театрах, концертах, в маскарадах, на бульварах и т. д.Владимир Маковский. Осужденный (фрагмент). 1879. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Владимир Маковский. Узник (фрагмент). 1882. Харьковский художественный музей, Харьков, Украина
Владимир Маковский. Ожидание. У острога (фрагмент). 1875. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В конце 1870-х в России начались процессы против народников. Маковский сочувствовал революционерам и даже посетил несколько судов. По их мотивам он создал серию работ, в которую вошли картины «Осужденный» и «Ожидание». Их показывали на выставках передвижников. В официальной печати художника назвали «дерзким и нарушающим душевный покой», а в революционных изданиях его полотна хвалили.
Художник Иван Крамской писал: «Перед картиной Маковского плачут».
Кроме картин на социальные темы в эти годы Маковский все еще писал жанровые сцены с детьми. В 1881 году художник создал картину «В жаркий день». Это полотно — типичное произведение Маковского 1880-х годов в стиле реализма. Художник следовал традициям венециановской школы живописи: изображал персонажей за бытовыми занятиями.
Владимир Маковский. От дождя. 1887. Ульяновский областной художественный музей, Ульяновск
Владимир Маковский. В жаркий день (фрагмент). 1881. Серпуховский художественно-исторический музей, Серпухов, Московская область
Владимир Маковский. На Волге (фрагмент). 1897. Государственная Третьяковская галерея, Москва
На свои картинах Владимир Маковский, в отличие от других передвижников, делал акцент не на сюжете, а на эмоциях героев. Историк Вероника Приклонская писала: «В картинах, живописующих драматические моменты, Маковский основное внимание сосредотачивал на типах, участвующих в рассказе, а не на событии как таковом.
И через их чувства и психологию раскрывает весь драматизм ситуации».
В 1882 году Маковский стал старшим преподавателем Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Как и другие передвижники, в эти годы он стал писать картины на крестьянскую тему. На картине «Свидание» он изобразил мать и сына. Мальчика отдали в ученики к одному из городских ремесленников, а мать приехала его навестить. Искусствовед Елена Журавлева писала: «Созданный Маковским образ русской крестьянки глубоко правдив и национален. Изображая рядовые случаи… художник заставлял зрителя задуматься над жизнью, пробуждал сочувствие к участи многих простых людей».
Владимир Маковский. Конная ярмарка на Украине (фрагмент). 1885. Национальный музей «Киевская картинная галерея», Киев, Украина
Владимир Маковский. Девушки, освещенные солнцем (фрагмент). 1901. Астраханская галерея им. П.М. Догадина, Астрахань
Владимир Маковский. Крестьянские дети (фрагмент). 1890. Харьковский художественный музей, Харьков, Украина
В 1880-е Владимир Маковский несколько раз ездил на Украину, бывал в Крыму.
В 1885 году он представил на выставке передвижников 45 картин. Большая часть из них — сценки из жизни местных жителей и их портреты. На Украину художник ездил и позднее, в 1890-х и 1900-х годах. Он писал о своем «этнографическом интересе» к жизни украинских крестьян.
В путешествии Маковский делал несколько эскизов и набросков в день. Художник старался работать очень быстро, чтобы запечатлеть как можно больше сценок из жизни. Он писал: «Я понял… что надо писать сразу. Только таким порядком и можно воспроизводить натуру жизненно и верно… Надо писать сразу; но необходимо вперед понять натуру, изучить ее; необходимо вперед поработать мозгами, а затем уже писать, не копаясь и не доискиваясь чего-нибудь в то время, когда должно быть все уже найдено и все определено».
На Украине Владимир Маковский написал картины «Крестьянские дети», «Девушки, освещенные солнцем», «Конная ярмарка на Украине». В этих работах он использовал яркие контрастные цвета, героев изображал в движении, часто в народных костюмах.
Историк искусства и драматург Петр Гнедич писал о его украинских полотнах: «Владимир Маковский отличается легкостью письма при живой наблюдательности и природном юморе».
Владимир Маковский. Автопортрет (фрагмент). 1905. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Деспот семьи. В мастерской художника (фрагмент). 1893. Национальный музей искусств Азербайджана, Баку, Азербайджан
Владимир Маковский. Портрет Анны Герасимовой, первой жены художника (фрагмент). 1880. Частное собрание
С 1880-х Маковский начал работать над офортами — гравюрами на металле. Свои первые работы он создал под руководством графика Льва Жемчужникова. В 1887 году вышел альбом «12 офортов В.Е. Маковского». Сюжетами его гравюр вновь стали сценки из жизни украинских крестьян.
В то же время Владимир Маковский стал получать заказы на роспись церквей. Он создал фрески и иконостас для храма Христа Спасителя на станции Борки Харьковской губернии. Церковь построили на месте крушения императорского поезда в 1888 году.
Когда Маковский работал над фресками, он написал картину «Деспот семьи. В мастерской художника». Одно из произведений, над которым работает герой картины, — копия иконы Маковского для храма Христа Спасителя.
«Соль, посыпанная на свежую рану»
Владимир Маковский. Давка на Ходынском поле (фрагмент). 1899. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Владимир Маковский. Свидание (фрагмент). 1883. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Похороны жертв Ходынки на Ваганьковском кладбище (фрагмент). 1896–1901. Государственный музей политической истории России, Санкт-Петербург
В 1892 году Владимир Маковский получил звание профессора Императорской Академии художеств. Через два года художник переехал в Петербург. Ему предложили возглавить класс жанровой живописи и создать собственную мастерскую. Среди учеников Маковского были Василий Бакшеев, Абрам Архипов, Сергей Малютин и другие. С 1895 года живописец стал ректором Высшего художественного училища при Императорской Академии художеств.
В 1896 году Маковского пригласили на коронацию Николая II в Москве. Художник должен был создать картину по итогам мероприятия. Он стал свидетелем давки на Ходынском поле, где погибло более тысячи человек.
Следующие пять лет Маковский работал над картинами «Ходынка» и «После Ходынки. Ваганьковское кладбище». На полотнах живописец изобразил жертв давки, их тела. В 1901 году «Ходынку» сняли с выставки передвижников по решению цензуры. От московского генерал-губернатора Маковскому передали записку: «Картине еще не время, она является солью, посыпанной на свежую рану». Впервые полотна показали только на выставке в Лондоне в 1910 году.
Владимир Маковский. Девятое января 1905 года на Васильевском острове (фрагмент). 1905. Государственный музей политической истории России, Санкт-Петербург
Владимир Маковский. Портрет императрицы Марии Федоровны (фрагмент). 1912. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Владимир Маковский. Допрос революционерки (фрагмент открытки).
1904. Частное собрание
Владимир Маковский написал несколько картин и по мотивам русской революции 1905–1907 годов. Среди них — «Допрос революционерки» и «Девятое января 1905 года на Васильевском острове». Эти работы художник хранил дома и показывал только родственникам и друзьям. Он опасался, что из-за революционной темы его могут уволить из Академии художеств.
В эти же годы Маковский много путешествовал. Живописец вновь посетил Украину, Крым. Он ездил и за границу, бывал во Франции и Финляндии, где проходили его персональные выставки.
Кроме жанровых сцен Маковский писал портреты своих родственников, петербургских чиновников. В 1912 году он создал портрет вдовствующей императрицы Марии Федоровны, матери Николая II. Когда художник работал над картиной, ей уже исполнилось 60 лет. Однако члены императорской семьи хотели, чтобы на портрете императрица была изображена в молодости. Поэтому Марию Федоровну Маковский писал с фотографии 1883 года, а не с натуры.
Владимир Маковский.
Утренний чай (фрагмент). 1891. Частное собрание
Владимир Маковский. Приезд учительницы в деревню (фрагмент). 1897. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. На бульваре (фрагмент). 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В 1915 году Владимир Маковский отметил 50-летний юбилей своего творчества. В честь этого передвижники устроили торжественный вечер. Маковский был одним из самых активных членов Товарищества. На каждой выставке присутствовало 10–20 его картин.
В эти годы основатели художественного объединения «Мир искусства» Александр Бенуа и Сергей Дягилев критиковали передвижников за банальные сюжеты, излишний натурализм, внимание к деталям. Картины Маковского Сергей Дягилев назвал «тысяча первой раскрашенной банальностью». Художник в ответ писал, что члены «Мира искусства» — «нелепые и недоучившиеся».
Владимир Маковский. Оправданная (фрагмент). 1882. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский.
Вечеринка (фрагмент). 1875–1897. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Владимир Маковский. Игра в жмурки (фрагмент). 1890-е годы. Частное собрание
После Февральской революции 1917 года Владимиру Маковскому предложили возглавить Академию художеств и провести в ней реформу. Помешала этому Октябрьская революция. Большевики уволили живописца из Академии художеств, но назначили ему пенсию.
В 1918 году, на 46-й выставке передвижников, Маковский представил свои картины на революционные сюжеты, в том числе «Большевики. Сторожевой пост», «Агитатор» и «Новое время». Художник Яков Минченков вспоминал: «Умный, практический старик предвидел возврат к идейному реализму в искусстве, к жизненной правде, которую и он искал своим пронизывающим взором».
Владимир Маковский умер 21 февраля 1920 года в Петрограде. Похоронили художника на Смоленском православном кладбище.
11 самых знаковых и знаменитых эскизов, когда-либо созданных
Каждое великое произведение искусства проходит через творческий процесс, но этот процесс скрыт и часто забывается.
В этой статье мы покажем вам известные эскизы, сделанные величайшими художниками.
Статьи по теме: 20 современных художников, которых вы должны знать — Когда тег «Мастера живописи» взлетел до небес! — 23 художника-акварелиста, о которых вы должны знать
Эскизы — самые недооцененные произведения искусства в истории. (Да, произведения искусства!) Нам часто приходится смотреть только на законченные работы в стенах музеев, что наводит зрителя на мысли, что художники — гении. Действительно, художники — гении! Но чтобы быть гением, также требуется много труда и усилий. И вот где зарисовки включены в историю. Каждое великое произведение искусства проходит через творческий процесс, но этот процесс скрыт и часто забывается. Эскизы — это то, как великое произведение искусства становится культовым: с большим количеством экспериментов и практики.
Наброски, каракули, наброски, тексты, инструкции — все, что вы можете себе представить, приводит к окончательному оформлению.
Творческий процесс может занять очень много времени, и его основная цель — развить идеи и проверить цвета, формы, размеры, композицию.
Вероятно, это разрушает представление многих о том, что художник — гений, способный достичь совершенства с одной попытки. Но за каждым произведением искусства стоит целая жизнь практики, экспериментов и неудач. Во многих случаях творческий процесс действительно более приятен и интимен, чем наблюдение за совершенным произведением искусства.
Но где художники следят за всем этим процессом? Известный термин «альбом для рисования» является ответом.
Альбом для рисования и эскиз
Смотреть в альбом для рисования художника — это интимный акт, и если вы когда-либо это делали/делали, вы можете чувствовать себя привилегированным. Альбом для набросков — это визуальный дневник мыслей, дневник, в котором прослеживается путь художника, друг. Таким образом, художник никогда не упускает возможности отметить красоту вещей, которые его окружают.
Эти дневники рисования — открытое пространство для самовыражения — пространство без давления или суждений. Скетчбуки считаются окном в душу художника. Полные деталей альбомы для рисования — это визуально приятный беспорядок, который обычно больше говорит о художнике, чем о самих произведениях искусства.
Существуют также различные типы рисунков, которые могут составлять альбом для эскизов, и они могут меняться в зависимости от времени, которое художник проводит в нем. Эскиз — это скорее предварительный набросок идеи — грубое выравнивание линий, которые могут структурировать окончательную работу. Эскиз менее подробен, чем этюд, но более проработан, чем рисунок.
Некоторые произведения искусства и художники особенно известны своими культовыми эскизами. Аура такого наброска идей дает зрителю тесную связь с законченным произведением и делает произведение гораздо интереснее. Давайте посмотрим на некоторые из самых знаковых эскизов всех времен.
1.
Ле Корбюзье
Французско-швейцарский художник, скульптор, архитектор, урбанист и писатель был провидцем своего времени. Ле Корбюзье широко известен своими модернистскими архитектурными проектами и городскими пространствами. Его вдохновляли путешествия, искусство и представления о «порядке». Ле Корбюзье проектировал творческие пространства, исследуя более простые формы повседневной жизни, очищая и организуя кубистические формы. В этом знаменитом наброске мы можем увидеть, как могли выглядеть его путешествия: городские пространства, здания и животные. Наряду с рисунком мы также можем видеть некоторые заметки, которые направляют мыслительный процесс художника.
Ле Корбюзье, Эскиз быков и крестьянских домов близ Чандигарха, датированный мартом 1951 г.; Предоставлено Фондом Ле Корбюзье, Париж.
2. Заха Хадид
Заза Хадид была первой женщиной, добившейся признания в отрасли, возглавляемой мужчинами в то время.
Иракско-британского архитектора хвалили за свободу линий и форм в дизайне здания. Заза Хадид известна как «Королева кривых» из-за ее необычного подхода к традиционной архитектуре. Ее радикальный подход изменил архитектуру от геометрических узоров к асимметричным, пышным и абстрактным конструкциям. На этом эскизе мы можем видеть ее пространственную концептуализацию здания «Научный центр Phaeno».
Заза Хадид, Эскиз научного центра Фаено, без даты.
Zaza Hadid, Научный центр Phaeno, Вольфсбург, Германия, 2005 г. Предоставлено Zaza Hadid Architects. Фото Вернера Хутмахера.
3. Эдгар Дега
Дега был французским скульптором и художником, который был энтузиастом человеческого тела. В своих работах он изображал в основном женщин — танцовщиц, певиц и прачек — в крепких, новаторских и необычных позах. Он был заинтригован проблемами точного захвата света и часто использовал искусственный свет, чтобы усилить театральность фигур, которые он изображал.
Есть множество набросков, которыми публично поделились признанные учреждения. В его эскизах вы можете увидеть его этюды человеческого тела и то, как Дега был очарован женщинами в изящных, но сильных позах.
Эдгар Дега, «Танец душ», Неизвестно, Бумага, красный мел, 24 × 32 см. Предоставлено Артси.
4. Винсент Ван Гог
Винсент Ван Гог почти не нуждается в представлении. У каждого есть небольшое представление о том, кем он был и насколько дальновидным и влиятельным он является в мире искусства. Голландский художник также известен как стереотипный образ замученного художника, потому что Ван Гог всю свою жизнь боролся с проблемами психического здоровья. Несмотря на это, он создавал плотные и яркие импрессионистические картины, отражающие его душевный хаос. Знаменитый художник также вел альбом для зарисовок, в котором он рисовал некоторые из своих самых влиятельных произведений, таких как «Стул». Возможно, для Ван Гога альбом для набросков действительно был способом прояснить затуманенный разум и привести мысли в порядок.
Винсент Ван Гог, Сен-Реми: март — апрель 1890 г., рисунок, карандаш, предоставлено музеем Ван Гога.
Стул Ван Гога, 1888 г. Предоставлено www.VincentVanGogh.org.
5. Эгон Шиле
Эгон Шиле был австрийским художником, который широко известен своими эротическими рисунками. Его смелый фирменный стиль бросал вызов общепринятым формам красоты, исследуя психику и сексуальность своих моделей. На его рисунках и картинах обнаженные модели изображались в тревожных позах, что избегало изображения жанра. Разметка Шиле была агрессивной, сильной и смелой, что усиливало искаженные представления о красоте. Большинство его известных работ взяты из его альбомов для рисования. Эскизы Шиле считаются самостоятельными произведениями искусства. На этом изображении вы можете увидеть набросок Шиле, найденный в 2018 году в строительном магазине.
Рисунок Эгона Шиле, 1918 год. Предоставлено галереей Сент-Этьен, Нью-Йорк.
6.
Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи – бесспорный гений своего времени. Он был мастером итальянского Возрождения, демонстрируя опыт во многих областях, таких как живопись, скульптура, архитектура, анатомия, геология, математика, наука, астрономия и многие другие. Его фирменный стиль был известен своей точностью и реалистичностью. Он также представил новую технику под названием «сфумато», которую многие художники до сих пор пытаются освоить. Да Винчи, как и любой другой художник, практиковал искусство эскиза, и его многочисленные альбомы для рисования можно увидеть в различных учреждениях по всему миру. В этом наброске мы видим предварительное исследование, которое, возможно, повлияло на знаменитую картину Моны Лизы.
Леонардо да Винчи, Портрет Изабель д’Эсте (Portrait of Isabella d’Este), 1499-1500 гг. Предоставлено Лувром.
Леонардо да Винчи, Мона Лиза. Предоставлено Лувром.
7. Питер Пауль Рубенс
Рубенс — еще один старый мастер, выдающийся в движении барокко.
Его картины показали явное влияние итальянского Возрождения с оттенком театральности. Известно, что фирменный стиль Рубенса подчеркивал движение, цвет, свет, драматизм и чувственность. Его очень заряженные композиции относятся к христианской истории и мифам католической церкви. «Даниил в львином рве» (1614-1616) — очень знаковая картина Рубенса, и есть общеизвестный ранний набросок этих львов. Эскиз немного более проработан, чем просто предварительный рисунок, так как мы можем отметить некоторую проработку света и текстуры. Этот набросок льва может быть более известен, чем сама картина.
Питер Пауль Рубенс, «Лев», ок. 1612-1613, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия. Предоставлено Artsy.
Питер Пауль Рубенс, «Даниил во рву со львами», ок. 1614/1616, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия. Предоставлено Artsy.
8. Фрэнк Гери
Фрэнк Гери — самый известный из ныне живущих архитекторов 21 века.
Канадско-американский архитектор известен своим уникальным стилем, основанным на модернизме, который считается интересным, удивительным и функциональным. Он использует самые разные материалы, от дешевых товаров массового производства до дорогих и редких материалов. Его деконструированный стиль опирается на нарисованные от руки эскизы, а не на сложное программное обеспечение, что позволяет художникам иметь более тесную связь с каждой линией, которую он наносит на бумагу (и, следовательно, со зданием). Музей Гуггенхайма в Бильбао — один из его самых заметных проектов, а также одно из самых престижных зданий с момента его постройки. На изображениях вы можете увидеть первый нарисованный Гери эскиз музея Бильбао. Гери говорит, что на создание такой многослойной структуры его вдохновила рыба.
Фрэнк Гери, Музей Гуггенхайма в Бильбао, эскиз фасада набережной, Бильбао, Испания, 1991 г., 22,9 × 30,5 см. Предоставлено Артси.
Фрэнк Гери, Музей Гуггенхайма в Бильбао. Фотография Мартина Штегера.
9. Пабло Пикассо
Пикассо был одним из самых влиятельных художников 20 века. Он был пионером кубизма и внес некоторый вклад в символизм и сюрреализм. Хотя он в основном известен своими картинами, Пикассо также был скульптором, гравером и керамистом. Его харизматичная личность привлекла внимание многих женщин, которых он использовал в качестве моделей для своих работ. Его очень восхищали за его деконструкцию пространства и перспективы с использованием смелых и надежных маркировок и цветов. Как и любой другой художник, он имел обыкновение держать альбомы для эскизов, чтобы выполнять свои эскизы для последующих картин. Как мы видим, «Les femmes d’Alger» (1955) не был исключением. Мы можем видеть упрощенную работу форм, форм и цветов, представленную в ранней подготовке эскиза к культовой картине.
Пабло Пикассо, «Женщины Алжира», 1955, Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA). Предоставлено Артси. Пабло Пикассо, «Женщины Алжира (Версия ‘O’)», 1955.
Предоставлено Christie’s.
10. Эжен Делакруа
Эжен Делакруа был одним из ведущих деятелей романтизма и одним из самых прославленных художников XIXвек. Для его картин характерны яркие и взбудораженные краски возвышенного и экзотичного. Он часто рисовал современные сценарии с насилием и трагедией в драматических и динамичных композициях. Делакруа, как известно, всегда держал под рукой альбом для рисования, в который он рисовал свои визиты в оперный театр или театр. Художник также использовал эти альбомы для рисования, чтобы экспериментировать с композициями для своих картин.
Эжен Делакруа, «Le 28 juillet — la liberté guidant le people», 1830. Холст, масло, 64,5 x 81,3 см. Предоставлено Christies Лондон.
11. Уильям Тернер
Чтобы закончить этот список, это должен был быть Уильям Тернер. У Тернера, вероятно, самая известная коллекция эскизов и альбомов для рисования, когда-либо созданных. Тернер был британским художником, которого широко хвалят за его вклад в романтическое движение.
В своих картинах он размышлял о важности индивидуального опыта в эпоху Englightmenet. Через возвышенные сценарии Тернер обострил представления о сознании и бытии. Его техника живописи подчеркивала силу природы и хрупкость бытия. Альбомы Тернера стали фундаментальным открытием для изучения его понимания мира. В своих альбомах для рисования он в основном использовал карандаш и иногда экспериментировал с акварелью. Большинство этих альбомов для рисования принадлежат коллекции Тейт в ТАТЭ.
Уильям Тернер, Два этюда фигур: две женщины с кувшином, наблюдающие за мужчиной, стоящим на коленях, чтобы играть в шарики; Эскизы рук и левой ноги мужчины, 1794 г. Предоставлено Тейтской коллекцией.
Как видите, альбомы для эскизов выполняют роль второй кожи художника и действительно необходимы для отслеживания идей художника. Эскизы — это изначальная форма искусства, и, хотя сами по себе они не могут считаться прекрасным произведением искусства, наброски столь же проницательны и значимы, как и завершенные произведения искусства.
Эскизы ценятся и вызывают восхищение в своих терминах и категориях и никогда не должны восприниматься как менее ценные. Эскизы являются носителями истории, экспериментов, воспоминаний, историй и являются ценным элементом истории искусства. Все художники, упомянутые выше, в наши дни высоко ценятся, и это может иметь какое-то отношение к тому времени, которое они тратили на наброски идей и композиций. Известно, что ни одно великое произведение не является первой попыткой. Каждый великий художник использовал альбомы для рисования как инструмент развития и роста в поисках личного стиля и техники.
Изображение на обложке: Эдгар Дега, «Танец душ», Неизвестно, красный мел на бумаге, 24 × 32 см. Предоставлено Артси.
Автор Таня Тейшейра
Оставайтесь с нами в журнале Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства
Эти наброски раскрывают процессы 8 знаковых художников, от Пабло Пикассо до Джуди Чикаго скажите критику, попросившему посмотреть его рисунки: «Мои рисунки! Никогда! Это мои письма, мои секреты».
Эскизы художников часто представляют собой частные действия, которые никогда не предназначены для просмотра вместе с готовой работой. Но когда мы получаем представление, эти исследования позволяют заглянуть в творческий процесс и проследить, как художники — от Леонардо да Винчи до Кары Уокер — находили вдохновение только для того, чтобы изменить его, прежде чем представить миру окончательную работу.
Портрет Изабеллы д’Эсте (1499-1500) и Мона Лиза (1503-06)
Леонардо да Винчи
Портрет Изабель д’Эсте (Portrait of Isabella d’Este) 9017 , 1499-1500
Музей Лувра
Леонардо да Винчи
Épouse de Francesco del Giocondo, dite Mona Lisa, ou la Joconde (Жена Франческо дель Джоконда) -1506
Лувр,
Постоянная коллекция
В то время как многие аспекты Моны Лизы — возможно, самого известного произведения искусства в истории искусства — остаются окутанными тайной, рисунок мелом, сделанный четырьмя годами ранее, является возможной точкой входа в этот культовый портрет.
Путешествуя из Милана в Венецию в 1499 году, да Винчи посетил д’Эсте — политического деятеля и покровителя эпохи Возрождения — в Мантуе, нарисовал ее портрет и пообещал написать ее позже. На эскизе д’Эсте сидит в платье прямого покроя, скрестив руки на груди, предвосхищая костюм и жест Мона Лиза.
Питер Пауль Рубенс,
Лев (ок. 1612-1613) и Даниил в львином рву (ок. 1614-1616)
Питер Пауль Рубенс
Даниил в львином логове 90 . 1614/1616
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия
Постоянная коллекция
Питер Пауль Рубенс
Лев , ок. 1612-1613
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия
Постоянная коллекция
Advertisement
Хотя Рубенс, безусловно, был не единственным Старым Мастером, изобразившим библейскую историю Даниила в львином рву, его версия отличается очень точным изображением североафриканских львов, вида, ныне вымершего в дикой природе.
Будучи придворным художником, Рубенс имел редкую возможность зарисовать этих существ, которые хранились в Королевском зверинце в Брюсселе. Если верить более позднему анекдоту, Рубенс пошел еще дальше, привезя льва в свою мастерскую в Антверпене.
Jean-Auguste-Dominique Ingres,
Sketch for Madame Moitessier and Madame Moitessier (1851)
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Madame Moitessier , 1851
National Gallery of Art, Washington D.C.
Постоянная коллекция
Жан-Огюст-Доминик Энгр
Эскиз для мадам Муатессье
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия
Постоянная коллекция
«Проклятые портреты!» — писал Энгр, разочарованный предстоящим заказом нарисовать дочь государственного служащего, мадам Муатессье. «[Портреты] всегда мешают мне заняться важными делами, которые я не могу сделать быстрее, потому что портрет — это такая трудная вещь». Хотя Энгр изначально отказался рисовать мадам Муатессье, надеясь сосредоточить свои усилия на исторической живописи, художник передумал, когда увидел ее лично, и провел следующие 12 лет, работая над двумя портретами молодой матери.
В десятках подготовительных набросков художник мучился над платьем, украшениями и позой натурщицы, пытаясь отдать должное ее естественной красоте.
Жорж Сёра,
Этюд для «Гранд-Жатт» (1884-85) и Воскресенье в Ла-Гранд-Жатт — 1884 (1884-86)
Жорж Сёра
Эскиз для «Гранд-Жатт»4 , 1884/1885
Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия,
Постоянная коллекция
Жорж Сейрат
Воскресенье на Ла -Гранде Джатте -1884 , 1884 -86
. почти 60 подготовительных эскизов для Воскресенье на Гранд-Жатт, монументальная картина художника, изображающая сцену отдыха в пригородном парке. Сера посещал это место в течение шести месяцев, изучая обстановку на пленэре в разное время суток, когда она была и пуста, и полна людей. В этом крошечном этюде, в котором исследуется центральная часть окончательной картины, показаны эксперименты художника с горизонтальными и диагональными мазками, от которых он позже отказался в пользу своей ставшей уже фирменной пуантилистской техники.
Пабло Пикассо,
Женщины Алжира (1955) и Женщины Алжира (Версия «O») (1955)
Пабло Пикассо
Женщины Алжира (Версия) , 1955
Christie’s
Pablo Picasso
Les Femmes d’Alger (Women of Algier Les femmes d’Alger (Версия ‘O’) был продан за 179,4 миллиона долларов, что сделало его самой дорогой работой, когда-либо проданной на аукционе. Картина является последней в серии из 15 полотен (от A до O), вдохновленных картиной французского художника-романтика Эжена Делакруа « Femmes d’Alger dans leur appartement » (1834). Пикассо начал рисовать эту сцену после смерти своего друга и творческого соперника Анри Матисса, чьи изображения лежащих женщин также находились под влиянием Делакруа. Версия «Е», хранящаяся в Музее современного искусства Сан-Франциско, является одним из самых абстрактных вариантов изображения Пикассо, в котором три женщины (вместо четырех в окончательной версии) бездельничают в комнате, выложенной плиткой.
Judy Chicago,
Virginia Woolf (1976) and The Dinner Party (1979)
Judy Chicago
The Dinner Party , 1979
Brooklyn Museum of Art
Judy Chicago
Вирджиния Вульф (подготовительный рисунок к «Званому ужину») , 1976
Национальный музей женщин в искусстве
Чикагский Званый ужин имеет большой треугольный обеденный стол, 48 футов в длину с каждой стороны, накрытый для 39 человек.легендарные женщины — от Иштар до Эмили Дикинсон — часто упускаемые из виду в истории западной цивилизации. Это исследование обустройства жилища писательницы Вирджинии Вулф включает набросок цветущего керамического цветка с лепестками, похожими на страницы, призванный символизировать плодородие творческого самовыражения Вулф. На нем также изображен луч света, отсылающий к новаторской работе Вульфа 1927 года « На маяк, », а также заметки Чикаго о литературном наследии Вульфа, украшенные воображаемыми анекдотами из жизни Вульфа («Медленно, намеренно Вирджиния надела шляпу и пальто») .
Эти мультимедийные исследования демонстрируют исследования, мастерство и детали, которые вошли в 39место декораций, каждая из которых представляет собой яркий портрет женщин, которых они изображали.
Frank Gehry,
Музей Гуггенхайма в Бильбао, эскиз фасада набережной, Бильбао, Испания (1991) и Музей Гуггенхайма в Бильбао (1997) , Испания , 1991
«Фрэнк Гери» в LACMA, Лос-Анджелес
Фрэнк Гери
Музей Гуггенхайма, Бильбао , 1993-1997
Бильбао, Испания
Гери известен своим деконструктивным стилем, который включает в себя разрушение и разрыв прямоугольных и сложенных друг на друга форм более традиционной архитектуры. самое важное произведение архитектуры, построенное с 1980 года, Музей Гуггенхайма в Бильбао. Исключительный среди современных архитекторов, Гери полагается на ручное рисование, а не на сложное программное обеспечение, для воплощения своих идей. В произвольном рисунке Гери музея Бильбао мы можем увидеть, как он впервые представил себе структуру.
Вдохновение для его радикальных двойных кривых из титана и выступающих треугольников? Рыбы. «Я понял, что [рыбы] были архитектурными, — отметил Гери, — передавая движение, даже когда они не двигались».
Кара Уокер,
Исследование сфинкса (2014), Без названия (2013-14) и «Тонкость, или Чудесный сахарный ребенок» (2014)
Кара Уокер
Исследование сфинкса 74 , 74 Sikkema Jenkins & Co.
Продано
Инсталляция Кары Уокер, «Тонкость, или Чудесный сахарный ребенок», представленная Creative Time на сахарном заводе Домино, 2014 г. Фото gigi_nyc, через Flickr.
Этот монументальный сфинкс, покрытый более чем 30 тоннами кристаллического сахара, был центральным элементом романа Уокера «Тонкость, или Чудесный сахарный младенец» (2014) , ее захват заброшенной фабрики Domino Sugar в Бруклине и одно из самых наводящих на размышления произведений искусства 2000-х годов. Сфинкс длиной 75 футов и высотой 35 футов был памятником сахару, веществу настолько ценному, что его использовали для оправдания работорговли людьми в 17-19 веках.