Содержание
Скульптура малых форм. XX век.
Часть первая
«Искусство существует, чтобы забывать мерзости жизни».
Аристид Майоль.
В начале 20 века развитие скульптуры малых форм, в условиях кризиса культуры развитого капитализма, принимает противоречивый характер. В поисках устойчивых духовных и эстетических жизненных ценностей скульптура малых форм развивается разнообразными путями.
Мощное воздействие на все национальные школы оказывает глубоко проникающее в жизнь и в законы реалистической пластики творчество Франсуа Огюста Рене Родена, Аристида Жозефа Бонавантюра Майоля, Эмиля Антуана Бурделя, Деметера Чипаруса во Франции, Эрнста Генриха Барлаха в Германии, Ивана Мештровича в Хорватии, Творчество Франсуа Огюста Рене Родена по праву считается одним из интереснейших и значительнейших явлений в истории мирового искусства. Будучи фанатичным поклонником живого тела, Роден досконально изучил человеческую анатомию.
Франсуа Огюст Рене Роден (1840–1917)
Его работы стали образцом для многих художников, а умение передать энергетику живого тела, его пластику и сложные линии, стали образцом для последующих поколений мастеров.
Огюст Роден. Вечная весна. Мрамор. 66,6 см. Задумана в 1884, высечена в 1901-1903
Роден умел «схватить» то мимолетное, едва уловимое, что характерно для находящегося в постоянном движении человека. Динамизм, энергетика и эмоциональность работ мастера часто отличались от привычной статики академизма, что вызывало у зрителя недоумение, непонимание и, очень редко, искреннее восхищение. Тяга Родена к изображению интимных моментов жизни также была воспринята современниками в штыки. Только по прошествии, десятков лет, работы скульптора были признаны гениальными.
Огюст Роден. Мимолетная любовь. 1887, 26.7×29.2 см. Бронза
Ему выпала честь внести свежую струю в искусство пластики, разрушив застывшие академические традиции. Роден считается одним из основоположников современной скульптуры. Эмиль Антуан Бурдель как-то сказал о себе: «Я леплю на простонародном наречии». И действительно, его скульптуры лишены утонченной изысканной грации, они полны силы, необузданной энергии, полны бушующих эмоций.
Эмиль Антуан Бурдель (1861–1929) | Эмиль Антуан Бурдель, около 1904 года © Бурдель / Музей Роджера-Виолета
Он предпочитал лаконичный и образный язык греческой архаики, нежели эстетизм эллинистической культуры. Эти черты ярко выражены в статуе «Стреляющий Геракл» 1909 года.
«Геракл» в мастерской скульптора
© Альберт Харлинг Музей Бурделя / Роджер-Виолетт
Могучая фигура с резкими чертами лица пронизана энергией, сконцентрированной в последнем перед выстрелом усилии. Этот упругий, выразительный образ Геракла – воплощение силы, мощи, как будто собранной в клубок энергии, готовой прорваться наружу. Чтобы создать ощущение жизненной силы, скульптор изображает игру мускулов и резкие, экспрессивные черты лица. Напряжение ясно видно в том, как огромная могучая рука оттягивает тетиву лука, как упирается в скалу нога лучника со вздутыми на ней сухожилиями.
Антуан Бурдель. Геракл Арчер (6-е исследование под названием 2-я композиция).
1906-1909 г. 64 x 60 x 29 см. Париж, музей Бурдель
Лучшие произведения Эмиля Антуана Бурделя, художника напряженных чувств и высоких помыслов, проникнуты духом героической борьбы, созвучной прогрессивным устремлениям эпохи. В центре его внимания могучие характеры, люди действенные, активные, целеустремленные. Основная тема искусства Бурделя – героическое действие, понимаемое в самом широком плане, не только как воинский героический подвиг, но и как творческое напряжение, как духовная деятельность.
Антуан Бурдель моделирует фигурку
© Музей Бурделя / Роджер-Виолетт
Бурдель был учеником Огюста Родена, но не столько следовал свободному стилю своего учителя, сколько изучал античную древнегреческую и готическую пластику. Вдохновленный образами античности, Бурдель стремился создать сходное впечатление плотности и объема. Это шло вразрез с модой того времени, когда скульптура тяготела к «грациозным» формам.
Антуан Бурдель.
Сидящая купальщица 1906-1907.
Бронза, 48,8 x 50 x 40 см. Музей Бурделя, Париж.
Процесс дегуманизации общества и отчуждения личности в 20 веке, ее бунт против гнета извне, появление людей со сложной нервной организацией и мощным интеллектом вызвали расцвет психологического портрета. Бурдель создал галерею ярких, отмеченных эмоциональностью и психологической сложностью портретных образов.
Антуан Бурдель, моделирующий бюст Марсело де Альвеар, 1922
© Родольфо Алькорта / Музей Бурдель / Роджер-Виолетт
Творческое наследие его огромно — это не только скульптуры, но и рисунки, живопись, иллюстрации, фрески. Учениками Антуана Бурделя были такие известные скульпторы как Вера Мухина и Альберто Джакометти.
Антуан Бурдель, его ученики и Клеопатра около Сафо на открытии Сауна Тюильри в 1928 году
© Bourdelle / Музей Роджера-Виолета
Значение Майоля в искусстве 20 века определяется тем, что в бурный период подъёма авангардистских движений он сумел продолжить классическую традицию, наполнив её каноны новым содержанием, почерпнутым из живой природы и современной действительности.
Аристид Майоль. «Средиземноморье». Бронза. 1902—05.
Частное собрание. США.
В своих творениях Майоль впервые сумел показать одну из существеннейших особенностей своего творчества – интимность выражения. «Майолевские» женщины, выполненные в бронзе и камне, удивительно естественны, пластичны, иногда невинно кокетливы. Это всего лишь небольшие статуэтки, но их конструктивная основа такова, что на фотографиях они выглядят, как грандиозные огромные скульптуры.
Аристид Майоль. «Ночь». Бронза. 1902—09.
Частное собрание. Париж.
Вслед за живописной выразительностью Огюста Родена и эмоциональностью Антуана Бурделя классическая простота Аристида Майоля уничтожила последние следы академизма, вернув скульптуре 20 века её древние основы. Постановка фигуры в пространстве, передача её движения, позы, жеста, светотеневая моделировка, усиливающая рельефность формы, архитектоническая организация объёма, зрительный эффект его массы, весовых отношений, выбор пропорций, специфических в каждом случае, характер силуэта, являются главными выразительными средствами скульптуры созданной мастерами Дома «Лобортас».
Скульптура «Архистратиг Михаил с Силами Света». Дом Лобортас.
Фото Владислава Филина
Постановка фигуры в пространстве, передача её движения, позы, жеста, светотеневая моделировка, усиливающая рельефность формы, архитектоническая организация объёма, зрительный эффект его массы, весовых отношений, выбор пропорций, специфических в каждом случае, характер силуэта, являются главными выразительными средствами скульптуры созданной мастерами Дома «Лобортас».
Объёмная скульптурная форма строится мастерами Дома «Лобортас» в реальном пространстве, по законам гармонии, ритма, равновесия, взаимодействия с окружающей архитектурной или природной средой, на основе изученных, в натуре, анатомических (структурных) особенностей той или иной модели.
Карта сайта
Карта сайта
- В начало
- Наука
- Словарь терминов
|
|
События.
События .Мероприятия.версия для печати
26 самых известных скульптур всех времен
Фотография: Shutterstock
От доисторических времен до 21-го века, вот самые известные скульптуры всех времен рассмотреть произведение со всех сторон. Будь то прославление исторической личности или создание произведения искусства, скульптура тем более мощна благодаря своему физическому присутствию. Самые знаменитые скульптуры всех времен мгновенно узнаваемы, они созданы художниками на протяжении веков и из разных материалов, от мрамора до металла.
Как и уличное искусство, некоторые скульптурные произведения большие, смелые, и их нельзя не заметить.
Другие образцы скульптуры могут быть деликатными, требующими тщательного изучения. Прямо здесь, в Нью-Йорке, вы можете увидеть важные экспонаты в Центральном парке, выставленные в таких музеях, как The Met, MoMA или Guggenheim, или как публичные произведения искусства под открытым небом. Большинство из этих знаменитых скульптур могут быть идентифицированы даже самым случайным зрителем. От «Давида» Микеланджело до «Шкатулки Брилло» Уорхола — эти культовые скульптуры определяют произведения как своих эпох, так и их создателей. Фотографии не передают эти скульптуры должным образом, поэтому любой поклонник этих работ должен стремиться увидеть их лично для полного эффекта.
Электронное письмо, которое вам действительно понравится
Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.
Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.
🙌 Отлично, вы подписались!
Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!
Самые известные скульптуры всех времен
Фотография предоставлена Naturhistorisches Museum
1. Венера Виллендорфская, 28 000–25 000 г. до н.э.
Эта крошечная фигурка из истории искусства, высотой чуть более четырех дюймов, была обнаружена в Австрии в 1908 году. Никто не знает, для чего она служил, но догадки варьировались от богини плодородия до помощи мастурбации. Некоторые ученые предполагают, что это мог быть автопортрет, сделанный женщиной. Это самый известный из многих подобных объектов, относящихся к старому каменному веку.
Фотография предоставлена CC/Wiki Media/Philip Pikart.
2. Бюст Нефертити, 1345 г. до н.э. самым противоречивым фараоном древнеегипетской истории: Эхнатоном. Жизнь его королевы, Нефертити, является чем-то загадочным: считается, что она правила как фараон какое-то время после смерти Эхнатона или, что более вероятно, как соправительница мальчика-короля Тутанхамона.
Некоторые египтологи считают, что на самом деле она была матерью Тутанхамона. Этот бюст из известняка, покрытый лепниной, считается работой Тутмоса, придворного скульптора Эхнатона.
Реклама
Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/Maros M r a z
3. Терракотовая армия, 210–209 гг. до н.э. могила Шихуанди, первого императора Китая, умершего в 210 г. до н.э. По некоторым оценкам, армия, предназначенная для защиты его в загробной жизни, насчитывает более 8000 солдат, а также 670 лошадей и 130 колесниц. Каждый в натуральную величину, хотя реальный рост зависит от воинского звания.
Фотография предоставлена CC/Wiki Media/LivioAndronico
4. Лаокоон и его сыновья, второй век до н.э. Ватикан, где и находится по сей день. Он основан на мифе о троянском жреце, убитом вместе со своими сыновьями морскими змеями, посланными морским богом Посейдоном в отместку за попытку Лаокоона разоблачить уловку троянского коня.
Первоначально установленная во дворце императора Тита, эта фигуративная группа в натуральную величину, приписываемая трем греческим скульпторам с острова Родос, не имеет себе равных в исследовании человеческих страданий.
Реклама
Фотография: предоставлено CC/Wikimedia/Livioandronico2013
5. Микеланджело, Давид, 1501-1504
Давид Микеланджело, одно из самых знаковых произведений в истории искусства, берет свое начало в более крупном проекте по украшению контрфорсы великого собора Флоренции, Дуомо, с группой фигур, взятых из Ветхого Завета. David был одним из них, и фактически он был начат в 1464 году Агостино ди Дуччо. В течение следующих двух лет Агостино успел начертить часть огромной глыбы мрамора, вытесанной из знаменитой каменоломни в Карраре, прежде чем остановиться в 1466 г. (никто не знает, почему). недолго работал над ним. Мрамор оставался нетронутым в течение следующих 25 лет, пока Микеланджело не возобновил его резьбу в 1501 году.
В то время ему было 26 лет. Законченный Давид весил шесть тонн, а это означало, что его нельзя было поднять на крышу собора. Вместо этого она была выставлена прямо перед входом в Палаццо Веккьо, ратушу Флоренции. Фигура, одно из чистейших воплощений стиля Высокого Возрождения, была немедленно воспринята флорентийской общественностью как символ собственного сопротивления города-государства силам, выстроившимся против него. В 1873 году Дэвид был перемещен в галерею Академии, а его копия была установлена на прежнее место.
Фотография предоставлена CC/Wiki Media/Alvesgaspar
6. Джан Лоренцо Бернини, Экстаз святой Терезы, 1647–1652 гг. церковь Санта-Мария-делла-Виттория. Барокко было неразрывно связано с Контрреформацией, посредством которой католическая церковь пыталась остановить волну протестантизма, захлестнувшую Европу 17-го века. Произведения, подобные работам Бернини, были частью программы по подтверждению папской догмы, чему отлично послужил гений Бернини, наполняющий религиозные сцены драматическими повествованиями.
«Экстази » — тому пример: сюжет — святая Тереза Авильская, испанская монахиня-кармелитка и мистик, написавшая о своей встрече с ангелом, — изображена в момент, когда ангел вот-вот вонзит стрелу ей в сердце. Экстаз безошибочно узнаваем, особенно в оргазмическом выражении лица монахини и корчащейся ткани, обернувшей обе фигуры. Архитектор, как и художник, Бернини также спроектировал обстановку часовни из мрамора, лепнины и краски.
Реклама
Фотография предоставлена Метрополитен-музеем/фондом Флетчера
7. Антонио Канова, Персей с головой Медузы, 1804–1806 гг.
Итальянский художник Антонио Канова (1757–1822) считается величайшим скульптором 18-ый век. Его работа олицетворяла неоклассический стиль, как вы можете видеть в его исполнении в мраморе греческого мифического героя Персея. На самом деле Канова сделал две версии произведения: одна находится в Ватикане в Риме, а другая — в Европейском дворе скульптур Метрополитен-музея.
Фотография: The Metropolitan Museum Of Art
8. Эдгар Дега. Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица, 1881/1922
Хотя мастер-импрессионист Эдгар Дега наиболее известен как художник, он также работал в скульптуре, производя был, пожалуй, самым радикальным усилием его творчества. Дега вылепил «Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица» из воска (из которого после его смерти в 1917 году были отлиты последующие бронзовые копии), но тот факт, что Дега одел своего одноименного персонажа в настоящий балетный костюм (в комплекте с лифом, пачкой и тапочки) и парик из настоящих волос произвели фурор, когда Танцовщица дебютировала на Шестой выставке импрессионистов 1881 года в Париже. Дега решил покрыть большую часть своих украшений воском, чтобы они соответствовали остальным чертам лица девушки, но он сохранил пачку, а также ленту, повязанную сзади ее волос, что сделало фигуру одним из первых примеров найденного предмета.
Изобразительное искусство. Танцовщица была единственной скульптурой, которую Дега выставлял при жизни; после его смерти в его мастерской было найдено еще около 156 экземпляров.
Реклама
Фотография предоставлена Художественным музеем Филадельфии
9. Огюст Роден, Горожане Кале, 1894–1885 гг. Многолетняя война (1337–1453) между Великобританией и Францией имеет более важное значение для истории скульптуры. Заказан парк в городе Кале (где была снята годовая осада англичан в 1346 г., когда шесть городских старейшин предложили себя казнить в обмен на пощаду населения),
Бюргеры избегали формата, типичного для монументов того времени: вместо фигур, изолированных или сложенных в пирамиду на высоком пьедестале, Роден собирал свои объекты в натуральную величину прямо на земле, на уровне зрителя. Этот радикальный шаг к реализму порвал с героическим отношением, которое обычно применялось к таким работам на открытом воздухе.
С Бюргеры Роден сделал один из первых шагов к современной скульптуре.
Фотография предоставлена CC/Flickr/Wally Gobetz
10. Пабло Пикассо, гитара, 19 лет12
В 1912 году Пикассо создал картонный макет произведения, которое оказало огромное влияние на искусство 20-го века. Также в коллекции MoMA на ней была изображена гитара, предмет, который Пикассо часто исследовал в живописи и коллаже, и во многих отношениях Guitar перенес технику вырезания и вставки коллажа из двух измерений в трехмерное. То же самое он сделал и с кубизмом, собрав плоские формы, чтобы создать многогранную форму с глубиной и объемом. Нововведение Пикассо заключалось в том, чтобы отказаться от обычного вырезания и моделирования скульптуры из твердой массы. Вместо этого Гитара была скреплена как конструкция. Эта идея отразится от русского конструктивизма до минимализма и далее. Через два года после изготовления Guitar из картона Пикассо создал эту версию из обрезанной жести.
Реклама
Фотография: The Metropolitan Museum Of Art
11. Умберто Боччони, Уникальные формы непрерывности в пространстве, 1913 г. явный бред движения, чем эта скульптура одного из его корифеев: Умберто Боччони. Начав как художник, Боччони обратился к работе в трех измерениях после 19 лет.13 поездка в Париж, в ходе которой он посетил мастерские нескольких авангардных скульпторов того периода, таких как Константин Бранкузи, Раймон Дюшан-Вийон и Александр Архипенко. Боччони синтезировал свои идеи в этом динамичном шедевре, изображающем шагающую фигуру в «синтетической непрерывности» движения, как описал его Боччони. Первоначально произведение было создано из гипса, и его знакомая бронзовая версия не была отлита до 1931 года, то есть уже после смерти художника в 1916 году в составе итальянского артиллерийского полка во время Первой мировой войны.0003 Фотография предоставлена CC/Flickr/Steve Guttman NYC
12.
Константин Бранкузи, мадемуазель Погани, 1913 г.
Родившийся в Румынии, Бранкузи был одним из самых важных скульпторов модернизма начала важные фигуры во всей истории скульптуры. Своего рода протоминималист, Бранкузи брал формы у природы и превращал их в абстрактные представления. На его стиль повлияло народное искусство его родины, в котором часто использовались яркие геометрические узоры и стилизованные мотивы. Он также не делал различия между объектом и основой, рассматривая их в некоторых случаях как взаимозаменяемые компоненты — подход, который представлял собой решающий разрыв со скульптурными традициями. Это культовое произведение представляет собой портрет его модели и возлюбленной Маргит Погани, венгерской студентки-искусствоведа, с которой он познакомился в Париже в 1910. Первая итерация была вырезана из мрамора, за ней последовала гипсовая копия, из которой была сделана эта бронза. Сама штукатурка была выставлена в Нью-Йорке на легендарной Оружейной выставке 1913 года, где критики осмеяли ее и осудили.
Но это также была самая воспроизводимая часть в шоу. Бранкузи работал над различными версиями Mlle Pogany около 20 лет.
Реклама
Фото: предоставлено Музеем современного искусства
13. Дюшан, «Велосипедное колесо», 1913 г.
Велосипедное колесо считается первым революционным реди-мейдом Дюшана. Однако, когда он завершил работу в своей парижской студии, он действительно понятия не имел, как ее назвать. «Мне пришла в голову удачная идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и смотреть, как оно вращается», — сказал позже Дюшан. Дюшану потребовалась поездка в Нью-Йорк в 1915 году и знакомство с обширным производством товаров фабричного производства, чтобы Дюшан придумал термин «готовый товар». Что еще более важно, он начал понимать, что создание искусства традиционным, ручным способом казалось бессмысленным в индустриальную эпоху. Зачем беспокоиться, утверждал он, когда широко доступные промышленные товары могут справиться с этой задачей.
Для Дюшана идея произведения искусства была важнее того, как оно было сделано. Это понятие — возможно, первый настоящий пример концептуального искусства — полностью изменит историю искусства в будущем. Однако, как и обычный предмет домашнего обихода, оригинал Велосипедное колесо не сохранилось: эта версия на самом деле является точной копией, датируемой 1951 годом. Колдер, Цирк Колдера, 1926-31
Любимое украшение постоянной коллекции Музея Уитни, Цирк Колдера воплощает в себе игривую сущность, которую Александр Колдер (1898–1976) привнес в жизнь как художник, который помог сформировать скульптуру 20-го века. . Цирк , созданный во время пребывания художника в Париже, был менее абстрактным, чем его подвесные «мобили», но по-своему был таким же кинетическим: сделанный в основном из проволоки и дерева, Цирк служил центральным элементом импровизационных представлений, в которых Колдер перемещал различные фигуры, изображающие акробатов, глотателей мечей, укротителей львов и т.
Д., Подобно богоподобному начальнику манежа.
Реклама
Фотография предоставлена музеем Дж. Пола Гетти
15. Аристид Майоль, L’Air, 1938
Как живописца и дизайнера гобеленов, а также скульптора, французского художника Аристида Майоля (1861–1944) лучше всего можно описать как современного неоклассика, придавшего обтекаемую форму, 20-е векового вращения на традиционной греко-римской скульптуре. Его также можно охарактеризовать как радикального консерватора, хотя следует помнить, что даже современники-авангардисты, такие как Пикассо, создавали работы в адаптации неоклассического стиля после Первой мировой войны. Темой Майоля была обнаженная женщина, а в L’Air , он создал контраст между материальной массой своего объекта и тем, как она кажется парящей в пространстве, уравновешивая, так сказать, непоколебимую телесность с мимолетным присутствием.
Фотография предоставлена CC/Flickr/C-Monster
16.
Яёи Кусама, Accumulation No 1, 1962
Японский художник, работающий в различных техниках, Кусама приехал в Нью-Йорк в 1957 году и вернулся в Японию в 1972 году. Тем временем она зарекомендовала себя как крупная фигура городской сцены, чье искусство коснулось многих основ, включая поп-арт, минимализм и перформанс. Как женщина-художник, которая часто упоминала женскую сексуальность, она также была предшественницей феминистского искусства. Творчеству Кусамы часто свойственны галлюциногенные паттерны и повторения форм, склонность, коренящаяся в определенных психологических состояниях — галлюцинациях, ОКР — она страдала с детства. Все эти аспекты искусства и жизни Кусумы отражены в этой работе, в которой обычное мягкое кресло пугающе поглощено похожим на чуму вспышкой фаллических выступов, сделанных из сшитой набивной ткани.
Реклама
Фотография: Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, © 2019 Estate of Marisol/ Художественная галерея Олбрайт-Нокс/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
17.
Марисоль, Женщины и собака, 1963-64
Марисоль Эскобар (1930–2016), известная просто по имени, родилась в Париже в семье венесуэльцев. Как художник она стала ассоциироваться с поп-артом, а затем с оп-артом, хотя стилистически она не принадлежала ни к одной из групп. Вместо этого она создала фигуративные картины, задуманные как феминистская сатира на гендерные роли, знаменитости и богатство. В Женщины и собака она берет на себя объективацию женщин и то, как навязанные мужчинами стандарты женственности используются, чтобы заставить их соответствовать.
Фотография предоставлена CC/Flickr/Rocor
18. Энди Уорхол, Brillo Box (Soap Pads), 1964
Brillo Box, пожалуй, самая известная из серии скульптурных работ, созданных Уорхолом в середине 60-х годов. что фактически привело его исследование поп-культуры к трем измерениям. Верный названию, которое Уорхол дал своей мастерской — «Фабрика», — художник нанял плотников для работы на сборочной линии, скрепляя вместе деревянные ящики в форме коробок для различных продуктов, включая кетчуп Heinz, кукурузные хлопья Kellogg’s и суп Campbell’s, а также хорошо мыльные подушечки Brillo.
Затем он покрасил каждую коробку в цвет, соответствующий оригиналу (белый в случае Brillo), прежде чем добавить название продукта и логотип на шелкографии. Коробки, созданные в несколько экземпляров, часто выставлялись большими штабелями, эффективно превращая любую галерею, в которой они находились, в высококультурное факсимиле склада. Их форма и серийное производство, возможно, были данью или пародией на зарождавшийся тогда минималистский стиль. Но реальная точка Brillo Box — это то, как его близкое приближение к реальной вещи подрывает художественные условности, подразумевая, что нет никакой реальной разницы между промышленными товарами и работой из мастерской художника.
Advertising
Photograph: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld
19. Donald Judd, Untitled (Stack), 1967
голые предметы первой необходимости. Для Джадда скульптура означала выражение конкретного присутствия произведения в пространстве.
Эта идея была описана термином «конкретный объект», и в то время как другие минималисты восприняли ее, Джадд, возможно, придал этой идее самое чистое выражение, приняв коробку в качестве своей фирменной формы. Подобно Уорхолу, он производил их как повторяющиеся единицы, используя материалы и методы, заимствованные из промышленного производства. В отличие от консервных банок Уорхола и Мэрилин, искусство Джадда не относилось ни к чему, кроме самого себя. Его «стеки» — одни из самых известных его произведений. Каждая состоит из группы одинаковых неглубоких ящиков из оцинкованного листового металла, выступающих из стены и образующих колонну из равномерно расположенных элементов. Но Джадд, который начинал как маляр, интересовался цветом и текстурой так же, как и формой, что видно здесь по зеленоватому лаку для кузова, нанесенному на переднюю поверхность каждой коробки. Игра Джадда цвета и материала дает Untitled (Stack) изысканная элегантность, смягчающая абстрактный абсолютизм.
Фотография предоставлена CC/Flickr/Rocor
20.
Ева Хессе, Hang Up, 1966
Как и Бенглис, Гессе была женщиной-художницей, которая фильтровала постминимализм через, возможно, феминистскую призму. Еврейка, бежавшая из нацистской Германии в детстве, она исследовала органические формы, создавая изделия из промышленного стекловолокна, латекса и веревки, которые напоминали кожу или плоть, гениталии и другие части тела. Учитывая ее биографию, заманчиво найти скрытый смысл травмы или беспокойства в таких работах, как эта.
Реклама
Фотография предоставлена Музеем современного искусства
21. Ричард Серра, One Ton Prop (Карточный домик), 1969
Вслед за Джаддом и Флавином группа художников отошла от эстетики минимализма с чистыми линиями. Как часть этого постминималистского поколения, Ричард Серра поместил концепцию конкретного объекта на стероиды, значительно увеличив его масштаб и вес и сделав законы гравитации неотъемлемой частью этой идеи.
Он создал ненадежные уравновешивающие действия из стальных или свинцовых пластин и труб весом в тонны, что придавало работе ощущение угрозы. (В двух случаях такелажники, устанавливавшие детали Серры, были убиты или покалечены, когда конструкция случайно обрушилась.) В последние десятилетия работа Серры приобрела криволинейную утонченность, которая сделала ее чрезвычайно популярной, но на начальном этапе она работала как One Ton Prop (House of Cards), на котором изображены четыре свинцовые пластины, прислоненные друг к другу, передал его опасения с жестокой прямотой.
Фотография предоставлена CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson
22. Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970
Следуя общей контркультурной тенденции 1960-х и 1970-х годов, художники начали бунтовать против коммерциализации галереи. мира, развивая радикально новые формы искусства, такие как земляные работы. Ведущей фигурой этого жанра, также известного как ленд-арт, был Роберт Смитсон (1938–1973), который вместе с такими художниками, как Майкл Хейзер, Уолтер Де Мария и Джеймс Террел, отправился в пустыни на западе Соединенных Штатов, чтобы создать монументальные произведения, которые действовали в согласии со своим окружением.
Этот подход к конкретным участкам, как его стали называть, часто использовал материалы, взятые непосредственно из ландшафта. Так обстоит дело со Смитсоном 9.0049 Спиральная пристань , которая вдается в Большое Соленое озеро штата Юта от мыса Розел на северо-восточном берегу озера. Сделанный из грязи, кристаллов соли и базальта, добытых на месте, Spiral Jetty имеет размеры 1500 на 15 футов. Он был погружен под воду на десятилетия, пока засуха в начале 2000-х годов снова не подняла его на поверхность. В 2017 году Spiral Jetty был назван официальным произведением искусства штата Юта.
Реклама
Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier
23. Луиза Буржуа, Паук, 1996
Фирменная работа художницы французского происхождения, Паук , была создана в середине 1990-х годов, когда Буржуа (1911–2010) было уже за восемьдесят. Он существует в многочисленных версиях разного масштаба, в том числе монументальных.
Паук задуман как дань уважения матери художника, реставратору гобеленов (отсюда намек на склонность паукообразных плести паутину).
Shutterstock
24. Энтони Гормли, Ангел Севера, 19 лет98
Лауреат престижной премии Тернера в 1994 году, Энтони Гормли — один из самых знаменитых современных скульпторов в Великобритании, но он также известен во всем мире своим уникальным подходом к фигуративному искусству, в котором широко варьируются масштабы и стиль основан, по большей части, на одном и том же шаблоне: слепок собственного тела художника. Это относится к этому огромному крылатому монументу, расположенному недалеко от города Гейтсхед на северо-востоке Англии. Расположен вдоль главной магистрали, Ангел достигает 66 футов в высоту и 177 футов в ширину от кончика крыла до кончика крыла. По словам Гормли, работа задумана как своего рода символический маркер между индустриальным прошлым Британии (скульптура находится в угольной стране Англии, в самом сердце промышленной революции) и ее постиндустриальным будущим.
Реклама
Предоставлено CC/Flickr/Richard Howe
25. Аниш Капур, Cloud Gate, 2006 г.0049 Облачные ворота
, центральное произведение искусства Аниша Капура для парка Тысячелетия Второго города, представляет собой как произведение искусства, так и архитектуру, обеспечивая арку, готовую для Instagram, для воскресных гуляющих и других посетителей парка. Модель Cloud Gate , изготовленная из зеркальной стали, благодаря отражающей способности и большому размеру является самым известным произведением Капура.
Предоставлено художником и Грином Нафтали, Нью-Йорк
26. Рэйчел Харрисон, Александр Македонский, 2007 г.
Работы Рэйчел Харрисон сочетают в себе непревзойденный формализм и умение наполнять кажущиеся абстрактными элементы разнообразными значениями, в том числе политическими. Она яростно ставит под сомнение монументальность и связанные с ней мужские прерогативы.
Харрисон создает большую часть своих скульптур, складывая и расставляя блоки или плиты из пенополистирола, а затем покрывая их смесью цемента и живописных завитков. Вишенка на торте — это какой-то найденный объект, либо один, либо в сочетании с другими. Ярким примером является этот манекен на вытянутой форме с брызгами краски. Работа в плаще и обращенной назад маске Авраама Линкольна возвышает теорию истории великого человека с ее воспоминанием о завоевателе Древнего мира, стоящем на скале клоунского цвета.
Подробнее
Посмотрите лучшие картины Пикассо
Электронное письмо, которое вам действительно понравится
Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.
Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.
🙌 Отлично, вы подписались!
Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!
Рекомендуем
[изображение]
[название]
Реклама
25 Художники, создающие искусство миниатюры
Недавно мы стали свидетелями того, как множество художников создают причудливые приключения в очаровательных миниатюрных мирах, чтобы вызвать у нас благоговение. Используя ассортимент игрушечного реквизита, а также множество обыденных предметов, эти художники могут даже заставить нас усомниться в реальности нашего существования. Мы абсолютно прикованы ко всему маленькому; будь то миниатюрные домики, наряды от кутюр размером с большой палец, крохотные свадебные торты, миниатюрная керамика, микроскопическое искусство рукоделия или очаровательные маленькие свитера. Вот почему мы представляем вам великолепную коллекцию 25 художников, которые заставляют нас падать в обморок от их удивительных миниатюрных творений.
Дизайн художественного логотипа
Пока вы видели, как художников Lego проектируют гигантские, невероятные скульптуры, пришло время созерцать мир миниатюрного искусства!
1. Тацуя Танака
Изображение: Тацуя Танака
В 2011 году японский арт-директор и фотограф Тацуя Танака осознал свою склонность к искусству миниатюры и начал создавать свои впечатляющие миниатюрные диорамы. Четыре года спустя художник по-прежнему ежедневно пополняет свою коллекцию диорам, и его творения становятся все более необычными и творческими; ломтик манго внезапно становится маленьким островом, украшенным пальмой, печатная плата превращается в поле для гольфа с настоящими игроками, а свернутый журнал чудесным образом превращается в волну для серфера! Мастерство фотографа заключается в том, чтобы изобретательно изображать повседневные предметы, а его фантастическое детское воображение приводит нас в восторг. Не забывайте просматривать его серию миниатюрных календарей каждый день 9 0300 Instagram и приготовьтесь удивляться!
2.
Томас Дойл
Изображение: Томас Дойл
Американский скульптор Томас Дойл известен созданием великолепных изолированных пространств и микрокосмических идиллических сцен, которые были опустошены бедствиями и катастрофами. В его сериях в масштабе 1:43 представлены крошечные человеческие фигуры, безупречные зеленые пейзажи, заброшенные и закопанные дома и разрушенные поместья. Тревожные работы Дойла иногда скрыты под стеклом и источают похотливое чувство, когда наблюдатели, как Бог, смотрят свысока на пугающие и странные моменты в жизни людей, когда подозрительный злоумышленник слоняется под их окнами или их дома разрушены и разрушены. наземь. Эти моменты времени размыты и искажены, окутаны сказочной атмосферой!
3. Уиллард Уиган
Изображение: Уиллард Уиган
Художник-дислектик Уиллард Уиган придает совершенно новый смысл нестандартному мышлению с помощью своих микроскульптур, крошечных до крайности, что большинство его творений могут легко поместиться в миниатюрной коробке! Он недоверчиво воссоздал сцены из поп-культуры и Библии.
Его искусство иногда занимает булавочную головку, например, скульптура Гомера, поднимающего Барта Симпсона в воздух, или игольное ушко, в котором находятся Белоснежка и семь гномов. Эти творения настолько миниатюрны, что их можно рассмотреть только под мощным микроскопом. Его уникальная перспектива и изобретательность принесли ему деньги, славу, признательность и уважение людей во всем мире.
4. Лим Пуй Ван
Image: Lim Pui Wan
Под именем PicoWorm малазийская любительница пластилина сводит людей с ума своими миниатюрными рисунками, которые она регулярно публикует на своих бесчисленных платформах в социальных сетях. Ее художественное имя вдохновлено пико — ужасно маленькой единицей в метрической системе — и червем, взятым из «книжного червя». Она делает свои реалистичные продукты из воздушно-сухой глины и раскрашивает их акрилом. Она демонстрирует свои удивительные творения в своем реалистичном магазине продуктов размером с куклу, напоминающем ретро-магазины для мам и пап, раскинувшиеся по всему Сингапуру и Малайзии, с плакатами Coca-Cola и календарем сзади.
5. Даниэль Агдаг
Изображение: Даниэль Агдаг
Даниэль Агдаг создал серию поразительно детализированных скульптур, используя только клей ПВА и нарезанный картон, и назвал свою коллекцию «Декорации для фильма, который я никогда не сделаю». Удостоенный наград кинорежиссер и художник из Мельбурна выставляет напоказ свой захватывающий дух талант и внимание к деталям с помощью этих точных коллекций миниатюрных моделей потенциальных съемочных площадок. Со зданиями и промышленным оборудованием части его миниатюрных моделей созданы в стиле ар-деко, что при фотографировании делает модели похожими на то, что они только что вышли из старинного фильма-нуара.
6. Роза Де Йонг
Изображение: Rosa De Jong
Ничто так не приковывает взгляд, как художественные творения, которые настолько шокирующе меньше, чем жизнь. Художник Роза де Йонг изобретательно использовала свои многочисленные таланты для создания Micro Matter: серии миниатюрных моделей с потрясающей архитектурой на фоне пышной зелени.
Ее скульптуры настолько крошечные, что их можно аккуратно поместить в пробирки, поскольку они продолжают привлекать взгляд своими вертикальными четкими линиями. Каждое творение изображает различное воплощение того, как промышленность встречается с природой, и изображает снимок Матери-Земли и рукотворной архитектуры и строительства, лежащих на ее поверхности.
7. Джошуа Смит
Изображение: Джошуа Смит
Художник Джошуа Смит работает в масштабе 1:20, создавая кропотливые работы, которые прекрасно воплощают многослойную реальность городской среды в бесчисленных городах, таких как Лос-Анджелес, Сидней и Гонконг. Его миниатюрные здания прекрасно изображают обломки и детали, оставленные разнообразным населением этих городов, представляя элементы городских уличных художников, жителей и рабочих, которые видны через такие детали, как сильно граффити снаружи, столбы с дорожными знаками и еда на вынос. сидит на крыше здания.
8.
Мэтью Альбанезе
Изображение: Мэтью Альбанезе
Не будет преувеличением сказать, что, пожалуй, ни один художник из ныне живущих не смог бы создать такие захватывающие дух и удивительно реалистичные сценарии, как Мэтью Альбанезе. В течение последних пяти лет художник тщательно создавал такие детализированные модели для своей серии под названием «Странные миры». С самого раннего возраста Мэтью развил склонность к мелочам, магии кино и киноминиатюрам. Его снимок бушующей грозы, ударившей по озеру, оставит вас открытыми от чудовищности его творения. Художник использовал окрашенный в черный цвет кусок плексигласа с выгравированными молниями, чтобы создать драматический эффект проблесков света. Используя обыденные предметы быта в сочетании с изобретательностью и мастерством фотографии, Мэтью создал такие шедевры, которые не перестают удивлять, сколько бы раз вы ни смотрели его видео с подробным описанием трудоемкого процесса!
9.
Михаил Ческо
Изображение: Майкл Ческо
Работая в начале 1980-х инженером в Motorola, Майкл Ческо пристрастился к миниатюрам, что в конечном итоге привело к созданию обширного воображаемого города под названием Британника! Используя только пилочки для ногтей, лезвия Xacto и пробковое дерево в качестве инструментов и материалов, десять лет чистого творчества заставили его осознать, что вместо того, чтобы мечтать или жаждать фантазии, он действительно может требовать точности реальности? Его самая амбициозная работа на сегодняшний день, Midtown Manhattan, является свидетельством того, чего можно достичь с помощью чистого творчества в сочетании с изобретательностью.
10. Аня Маркевич
Изображение: Аня Маркевич
Немецкая художница Аня Маркевич известна созданием завораживающих миниатюрных скульптур из бумаги, каждая размером всего в несколько миллиметров. Ее потрясающие крошечные творения оригами напоминают различные цветы и животных и заставляют нас задуматься над уровнем детализации ее работ.
Как мастер нано-оригами, большинство ее творений настолько старательно крошечные, что она часто представляет свои модели с увеличительным стеклом, чтобы люди могли оценить их элегантность и красоту.
11. Михаил Юркович
Изображение: Michael Yurkovic
Промышленный дизайнер по профессии, Студия Майкла Юрковича представляет собой воплощение типичной мастерской ремесленника, изобилующей всеми ее атрибутами – кусками кожи, полосками шпона, токарным станком, токарными ножами, и паяльник-, но с крошечной разницей; Каждая тщательно обработанная деталь, украшающая это творение, может удобно уместиться на ладони. Юркович делает необычайно реалистичные репродукции предметов и мебели в масштабе 1/12 или даже меньше. Изысканные творения отражают внимание Майкла к деталям.
12. Иллиан
Изображение: Иллиана
Илиана — большой любитель еды, она любит печь, готовить и даже лепить еду.
Она сочетает свою любовь к еде и создание миниатюр, создавая бесспорно впечатляющие изделия; причудливо вырезанные подвески Oreo, вишневого пирога или тостов Nutella, яркие серьги макарон, кольца для чайных чашек с салфеткой и блюдцем и другие украшения, напоминающие настоящую еду. Самое приятное в ее украшениях то, что они позволяют вам всегда носить с собой любимые лакомства, не опасаясь, что они испортятся! Не говоря уже о том, что ее украшения выглядят невероятно великолепно и детально!
13. Джилл Орлов
Изображение: Джилл Орлов
Художник Джилл Орлов — отмеченный наградами и получивший классическое образование дизайнер скульптурной мебели, архитектор и талантливый художник-миниатюрист. Во всех ее творениях используются литые металлы и мягкая сталь ручной работы, которую она изготавливает сама, в дополнение к восстановленным предметам, включая детали сантехники, старинные деревянные ящики и другие потерпевшие кораблекрушение, которые она спасла.
В рамках своей выставки миниатюр изобразительного искусства под названием «Те были дни» Джилл черпала вдохновение в культовых телевизионных студиях поп-культуры и приступила к воссозданию их атмосферы и окружающей среды в виде ящиков с тенью в масштабе 1/12. Изготовленная почти из стали, за исключением специй, стеклянной посуды и книг, виньетка также включает в себя краснодеревщики, стальные приборы, медные кастрюли и драпированную скатерть из медной сетки.
14. Люси Фрэнсис Малони
Изображение: Люси Фрэнсис Мэлони
Сент-Пол, штат Миннесота Любитель собак Люси Фрэнсис Мэлони нашла умный способ помочь владельцам домашних животных справиться с горем потери питомца, создав невероятно реалистичные миниатюрные копии их умерших. собаки. 61-летний художник создал более 150 000 моделей собак ручной работы, которые даже заставят владельцев поверить в то, что их любимые собаки восстали из могилы, поскольку эти миниатюры настолько пугающе реалистичны, хотя и в миниатюре.
Используя старые фотографии, Люси может легко воскресить мертвых собак, чтобы подарить их владельцам маленькие пушистые сувениры. Она использует проволочную сетку, пряжу и различные материалы, чтобы имитировать пальто, в том числе настоящую собаку, верблюжонка, кашемир и шерсть альпаки.
15. Мигель Завала
Изображение: Miguel Zavala
Большинство игроков готовы убить, чтобы получить в свои руки искусно созданные миниатюры, играя в настольные ролевые игры, чтобы помочь им визуализировать расстояния и добавить масштаба в свои игры. Мигель Завала — один из таких заядлых поклонников Dungeon & Dragons, который взял на себя обязательство сделать мир игр лучше, используя свои способности к 3D-дизайну и печати! Мигель фактически создал библиотеку всех монстров из игры в виде миниатюрных шаблонов для 3D-печати, которые доступны другим игрокам. Помимо всего руководства по монстрам, в библиотеку включены все NPC из Приложения B и существа из Приложения A!
16.
Хелен Сандоу
Изображение: Хелен Сэндоу
Даже модели с анорексией пришлось бы голодать в миниатюрных и обнадеживающе крошечных вечерних платьях от кутюр Хелен Сэндоу . Украшенные ослепительной вышивкой бисером, импортным атласом и сверкающими чешскими кристаллами, ее сшитые на заказ творения идеально подходят для манекенов размером с большой палец. Коллекционеры жаждут заполучить ее искусно созданные миниатюры дизайнерской одежды, и 15 ее моделей были выбраны для показа в Музее миниатюр Тайваня.
17. Джон Алмеда
Изображение: Jon Almeda
Художник по керамике Jon Almeda делает все возможное со своей невероятной миниатюрной глиняной посудой и использует изготовленное по индивидуальному заказу «колесо сувениров», которое он наконец-то заработал после пустяковых лет прототипирования. Машины оснащены 2-дюймовой алюминиевой головкой колеса и первоклассным немецким двигателем.
Создание миниатюр позволяет художнику сосредоточиться на форме и форме произведения. Художнику скорее нравится эта медитативная форма творчества, поскольку он восхищается созданием крошечных чаш и ваз, которые без какого-либо контекста или масштаба напоминают свои более крупные аналоги в пропорциях и деталях.
18. Джо Фиг
Изображение: Joe Fig
Скульптор и художник из Нью-Йорка, Joe Fig , взял на себя обязательство посещать знаменитых художников в их студиях, делать кропотливые измерения, фотографировать и задавать личные вопросы об их среде обитания, чтобы он мог создавать свои умопомрачительно потрясающие и точные диорамы. Фиг создает эти невероятные модели размером с кукольный домик уже более 10 лет, и каждая из его дотошных, выразительных и миниатюрных моделей отражает своего владельца, а каждый сувенир или безделушка дает нам некоторое представление о жизни художников и их рабочих процессах. .
19. Алтея Кроум
Изображение: Алтея Кром
Любой, кто смотрел покадровую анимацию, Кэролайн, заметил бы очаровательную крошечную одежду, но задумывался ли кто-нибудь когда-нибудь, как она была создана? Мало того, что эти очаровательно крошечные ансамбли согревают наши сердца, их творение само по себе довольно удивительно.
Миниатюрная вязальщица Althea Crome , владеющая крошечными спицами, является мозгом этих потрясающих свитеров, на создание каждого из которых уходят месяцы.
20. Шей Аарон
Изображение: Shay Aaron
Блестящая израильская художница Shay Aaron создает достойные слюни миниатюрные тарелки с едой, которые заставят вас грохотать в кувшине. Ее тарелки с едой выглядят настолько потрясающе и реалистично, что каждый раз, когда мы наблюдаем за ее творениями, у нас возникает чувство голода. Она создала красивые ручные работы с яйцами, овощами, гамбургерами, макаронами, начос, пирогами, стейками и практически всеми видами продуктов питания, о которых вы только можете подумать.
21. Курт Мозес
Изображение: Курт Мозес
Родом из Сент-Пола, штат Миннесота, художник Курт Мозес создал серию под названием «Un Petit Monde», в которой он собирает крошечных одетых людей, чтобы воссоздать сценарии в огромном мире.
Вместо использования Photoshop или фотографии с наклоном и сдвигом Моисей создает свои повседневные сцены при естественном освещении в реальном мире. Фотограф любит рассказывать истории через свои работы и активно воплощает свои фантазии в реальность, создавая сюжетную линию, а затем делая вызывающие воспоминания фотографии, которые помогают зрителям сделать собственные выводы о том, чему они были свидетелями.
22. Стив Уин
Изображение: Стив Уин
Широко известный как Садовник Выбоин, Стив Уин — еще одно имя среди растущего числа людей, занимающихся партизанским садоводством, тайно превращая скрытые и унылые уголки города в освежающие и потрясающие мини-сады. которые привлекают внимание всего мира. Внушающая благоговейный трепет работа Стива сосредоточена на покрытии довольно неприятных выбоин садами, благоухающими множеством крошечных реквизитов для невидимых маленьких людей, предполагаемых обитателей крошечного мира. Стив собрал свои различные проекты и работы в книгу под названием «Маленькая книга маленьких садов».
23. Рэйчел Дайк
Изображение: Рэйчел Дайк
Само собой разумеется, что ваш свадебный торт – это, скорее, изюминка мероприятия, однако после долгой ночи танцев и веселья вашим глазам не осталось ничего, что могло бы порадовать вас. Хотели бы вы сохранить такой шедевр навсегда на память? У внештатного декоратора тортов Charm City Cakes Los Angeles, Rachel Dyke , есть идеальное решение для этого ностальгического желания. Ее крошечные миниатюрные пирожные, достаточно маленькие, чтобы поместиться на ладони, являются идеальным воплощением вашего свадебного торта, воспроизводя каждую мельчайшую деталь. Ее сложные детализированные модели созданы с использованием акриловой краски, полимерной глины, кусочков украшений и многого другого, что она находит на блошином рынке.
24. Салават Фидай
Изображение: Салават Фидай
После увольнения с корпоративной работы российский художник Салават Фидай с Уральских гор занялся хобби, а теперь и процветающим бизнесом, вырезанием кончиков графитных карандашей для создания потрясающих скульптур.